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viernes, 24 de abril de 2015

WEBMEMORY_8. VIDEO

En dos minutos y medio, un memorial de imágenes entre las que caben: un homenaje a Cifu, Eros y Pan, un flamencólogo orondo, un piloto suicida, ... y un remix musical afroeuropeo.

lunes, 23 de febrero de 2015

NO ES POESIA SONORA. ES SONOPOESÍA.


Merece la pena abrir el enlace, abrir los oídos, abrir los ojos y también la mente. 
Pincha en el enlace "una publicación". 

Worth open the link, open your ears, open your eyes and mind.

By clicking on the "publication".


una publicación de Conservatório de Tatuí.

miércoles, 28 de enero de 2015

ENSAYO DE LA ORQUESTA FOCO.


El 24.01.15, como preparación para su presentación el domingo 25 en La Casa Encendida, dentro del evento musical Urta Cordel, la Orquesta FOCO, coordinada esta vez por LLorenç Barber, ha hecho un ensayo abierto al público. Un público que llenaba el patio de LCE, donde tenía lugar el ensayo. Con su ordenado desorden, con su música no música y sus sonidos visuales, los componentes de la orquesta fueron apareciendo sucesivamente e incorporando el sonido de sus instrumentos al "concierto".
De la variedad y calidad (y calidez) del sonido cabe señalar que aunque la sala estaba llena de niños, algunos muy pequeños, ninguno lloró ni se aburrió. Tal vez porque algunos músicos, en su deambular constante, se acercaban especialmente a los niños y, muy quedo, les hacía oír los sonidos de sus instrumentos. Qué suerte la de estos niños que han podido conocer, a su edad, la generación de sonidos que, desde J.Cage, ha ampliado el espectro sonoro mucho más allá de la música. Quien tenga la posibilidad de escuchar y ver a la Orquesta FOCO, que no se pierda su magnífico trabajo.



lunes, 22 de diciembre de 2014

JOE COCKER IN MEMORIAM.

Hoy, 22 de diciembre de 2014, a los 70 años de edad, ha muerto Joe Cocker. Algunas de sus canciones son parte imprescindible en la banda sonora de nuestras vidas. Inolvidable voz. Inolvidable fuerza. Sing your song, man.

miércoles, 12 de noviembre de 2014

URSONATE MECHANIC

Especialmente para amantes de la Ursonate de Kurt Schwitters. Una nueva y diferente versión con una voz femenina pregrabada.


lunes, 11 de agosto de 2014

KampenFleurSong

An Experimental mix. You can't dance it, you can't sing it, you just can listen it. And, of course, love it or hate it. That's all.
















martes, 8 de julio de 2014

EL PIANO DE AGUSTI FERNÁNDEZ

Ayer, 7 de julio 2014, en la Sala Berlanga de Madrid ha comenzado un ciclo de cine sobre el jazz latino.
La primera proyección presentada ha sido un documental de 45' sobre el pianista Agustí Fernández. Soberbio el documental. Soberbio el pianista. A través de su propia concepción del jazz y de la música en general, nos muestra las muy diferentes formas en las que se "usa" hoy el piano.
Un piano que bien define él mismo como expandido con el que forma tríos más o menos clásicos (piano, saxo, contrabajo) como otros en los que se incluye un sampler, sin faltar la formación orquestal.
Hasta ahora no había visto ni escuchado a nadie usar el piano con la libertad con la que lo hace Carles Santos, pero Agustí Fernandez tiene más sonidos, le saca más partido, lleva los sonidos más lejos, incluso físicamente su trabajo es mucho más activo y agotador que el de Santos. Y vaya por delante todo mi respeto por el maestro/performer/pianista.
 ¡Que torrente de sonidos, qué variedad, que versatilidad en las combinaciones, que alegría en las repeticiones, que sorpresa continua en la "manera" de hacer sonar el piano!
 Desde hace tiempo pienso que son los músicos los artistas contemporáneos más avanzados, los que más investigan y descubren, los que menos prejuicios y más osadía ponen en sus trabajos. Cada vez lo confirmo más si cabe. ¿Alguien puede imaginar que resultaría de los poemas si se les pudiese aplicar a las palabras sólo la mitad de las operaciones a que es sometido el sonido expandido como el de Agustí Fernández. Un nombre, un piano y un sonido inolvidables.


jueves, 3 de julio de 2014

CONCIERTOS EN LA TABERNA ALABANDA DE MADRID.

Lugar: Taberna Alabanda. Miguel Servet 15, Lavapiés (Madrid).
Hora: a las 21:00h
Aportación: 5 euros incluyendo consumición.

Programa
Viernes 27 
- Trío: Álvaro Barriuso, Victor M. Vazquez, Javier Entonado.
- Cuarteto: Gregorio Kazaroff, Ricardo Tejero. Paloma Carrasco, Ivor Rampling.

Sábado 28
- Dúo: Chefa Alonso, Fernando Lamas.
- Cuarteto: Javier Escaned, María Cameselle, Ildefonso Rodríguez, Fernando Lamas.
- RICHTUNGEN: Ebba Rohweder y Markus Breuss.

Domingo 29
- Dúo: Cy Williams, Cova Villegas.
- Orquesta FOCO.

Sólo he podido asistir a los dos conciertos del domingo 29, pero son suficientes para dar cuenta del gran nivel de los participantes. 
Si en una entrada anterior hablaba de CRUCE y decía que en ningún otro espacio de Madrid se escuchaban sonidos como los que se producian en Cruce, hoy tengo que rectificar y decir que, si bien es cierto que no es exactamente el mismo tipo de sonido el que se practica en cada espacio, también es cierto que los que escuché en la Taberna Alabanda son tan experimentales, ricos y gratificantes como los escuchados en CRUCE. Y sobre todo, en ambos casos hablamos de ir más allá de la música. Hablamos del sonido.
Vayamos por partes:
Cy Williams y Cova Villegas son un guitarrista selecto y una voz de muchos registros. Juntos conforman un sonido en el que la "pureza" de la guitarra persigue a veces y a veces es perseguida por una voz que articula sonidos sin articular palabras, casi ni siquiera sílabas. Sonidos guturales, labiales, vibrantes, susurrantes, gimientes que sirven de contrapunto a una guitarra con sonoridad de blues pero sin malabarismos efectistas. Una guitarra de concierto. Cova Villegas y Cy Williams o viceversa, dos nombres que no quiero olvidar.
El plato fuerte de la noche, fue la Orquesta FOCO. Sobre el muy pequeño escenario de la Taberna Alabanda trece, catorce y hasta quince músicos que incluyen violonchelo y contrabajo, saxo, trompeta, guitarra eléctrica, "cuencos" tibetanos, batería, voces (hombre y mujer) y efectos , amén de una flauta travesera y percusión de bongos y otros instrumentos ...
Y la gran sorpresa: esta orquesta, improvisadora por definición, está dirigida por cuatro directores que son quienes en realidad improvisan. Creo que es una estupenda aportación de esta orquesta. Los músicos entran y salen en la producción del sonido siguiendo las directrices del director que es quien marca el orden, la cadencia, el ritmo, la compañía o la competencia con los otros instrumentos. Y, por si fuera poco, los directores se van turnando cada cierto tiempo y cada uno marca su personal estilo. 
Con uno la orquesta suena más a Boulez o Morton Feldman, con otro suena más a jazz, con otro/a se nota la búsqueda de sonoridades nuevas, con otro, en fin, se busca más el sonido del conjunto como tal, ...
Quiero, debo, dar las gracias a Ebba Roweder que fue quien me informó de los conciertos en los que ella participa, como directora de la orquesta y como interprete con la flauta travesera. Gracias Ebba. Me hiciste un gran regalo.

miércoles, 2 de julio de 2014

FRAN MOLINA & THE CHAMPS.


Justo a la entrada de Rivas (Madrid) hay un hotel. El hotel AB. Es un hotel sencillo y bien situado que tiene, en la planta baja, una lounge y un comedor contiguo. En ese espacio, todos los sábados, en horario de 21 a 23 (en verano de 21,30 a 23,30) presenta su música el guitarrista y compositor Frank Molina. Le acompañan los Champs (Champions), que son variables en número y en instrumentos.

El pasado sábado, 28 de junio, estuve escuchándoles. La primera formación fue un trío con Frank a la guitarra, Damian a la percusión con escobillas y un saxo de quien no conozco el nombre. Una formación clásica de jazz que hizo algunos estándares, incluyendo una versión del "Hijo de la Luna" de Mecano. Una música sin estridencias; perfecto acompañamiento para quienes en ese momento estaban cenando y conversando.

Más tarde se unió al grupo una chica muy joven que tocaba el cajón flamenco, un instrumento reciente que ha ido incorporándose a los instrumentos convencionales de la percusión y que ya es aceptado en todos los ámbitos musicales.
Frank, además de su virtuosismo con la guitarra, con la mirada y con gestos convenidos dirige al grupo que, con la incorporación del cajón ha subido el tono, incluyendo un estupendo diálogo entre la batería y el cajón . Después hubo un cambio en la batería y el baterista que entró aportó un sonido más percusivo, más rápido, más rock.

Una sesión de jazz muy completa en la que no faltó la aportación del público, porque Frank, docente musical, hizo que los niños asistentes se incorporasen haciendo pequeños coros e incluso haciendo que algunos de ellos dirigieran a los demás en esas intervenciones corales. Los niños disfrutaron mucho y, seguramente, incorporaron a su educación musical una forma de hacer y un tipo de música que habitualmente no escuchan.

lunes, 30 de junio de 2014

Madrid Limites

Este vídeo documenta la acción de recorrer el municipio de Madrid a pie, desde el punto situado en el extremo Norte hasta el situado en el extremo Sur y lo mismo con los del Este y el Oeste.
Cuando comenté que había comenzado a hacer estos recorridos a pie, un malintencionado ignorante comentó" ¡Qué cruz! 
No sabe lo gratificante que es andar. No conoce las propuestas de H.D. Thoreau, ni las Global Performance Art Walks, ni las de Andar como práctica anarquista, ética, estética y de pensamiento. Su enfermedad le impide ver algo más que el dinero. Y como andar es gratis, ...

C

lunes, 26 de mayo de 2014

¿QUE ES UN RELAY?



En ningún otro espacio de Madrid se oyen los sonidos que se escuchan en Cruce.
Sonidos experimentales, música visiva, sonidos generados, grabaciones de campo, ...
Un auténtico festín para el escuchante.  
El sábado 24, como cierre de toda una semana de programación del Festival ¡Escucha! se programó un Relay.
 Según los organizadores un Relay se entiende como una programación en la que:

"A las 18:00, tríos de musicos comienzan a improvisar en varios lugares situados en la misma calle Dr. Fourquet (Cruce, Esta es una plaza, Función Lenguaje y Galería Liebre). Diez minutos mas tarde, se incorpora otro grupo de participantes, cada uno de los cuales puede elegir libremente a qué lugar dirigirse. Cuando llega, uno de los musicos que ya está alli debe irse, dirigiendose a otro lugar donde relevará a otro que alli está tocando, etc. Este proceso dura dos horas, de forma que la musica cambia constantemente a medida que los musicos llegan, tocan, y se van de cada lugar. Durante la última media hora todos los musicos se desplacen gradualmente a Cruce, para asi acabar el evento tocando todos juntos."
 Los participantes en esta edición del Festival ¡Escucha! fueron:
AINARA LEGARDON / ALEJANDRO ROJAS-MARCOS / ALESSANDRA ROMBOLÁ MARTA SAINZ / ÁLVARO BARRIUSO / CARLOS COSTA / EDU COMELLES / JAVIER PEDREIRA / JAVIER PIÑANGO / JOAN ESPASA / LALI BARRIÈRE / MANOLO RODRIGUEZ / MARIO SARRAMIÁN / MIGUEL ANGEL GARCIA / PALOMA CARRASCO RUBÉN GUTIERREZ DEL CASTILLO / RUI HORTA / TOMÁS GRIS / WADE MATTHEWS.
 Yo propondría, si es que se puede, a los participantes en este tipo de conciertos, que diesen cabida a los "solos". Muchas veces es difícil distinguir qué instrumento está produciendo qué sonido, o qué ordenador genera cual otro. Un pequeño solo permitiría al escuchante reconocer "la voz" de cada músico. No se trata de fomentar virtuosismos personalistas, tan sólo de identificar sonido e instrumento. En cualquier caso, gracias a los participantes a los que pude escuchar el pasado sábado.

miércoles, 30 de abril de 2014

MADAM, MONTSERRAT PALACIOS Y LLORENÇ BARBER

 En la fotografía, tres quintas partes de Madam y Wade Matthews
El pasado domingo, día 27 de abril, en CRUCE, espacio de Arte y Pensamiento Contemporáneo de Madrid, los miembros del quinteto Madam hicieron una versión de una de las piezas de música visiva del Cuaderno de Yokohama, de Llorenç Barber.
En la segunda parte, el quinteto Madam, junto con Llorençc Barber y Montserrat Palacios realizaron una pieza de improvisación sonora. Precio 5€.

Presentó el acto el coordinador de Cruce, espacio sonoro, Wade Matthews, quien dijo que Madam estaba haciendo una residencia de un año en Cruce y que El Cuaderno de Yokohama es una importante obra de música visiva, producto del aburrimiento.
Cuando le llegó el turno de palabra a Llorenç Barber confirmó esto último y presentó algunos ejemplares del Cuaderno que puso a disposición de quienes lo quisieran, aparte de informar de que en la página web del Macba también se podía descargar en formato .pdf.
Como es habitual en él, Llorenç Barber hizo una cruda descripción de la difícil situación de los artistas en España, especialmente de los músicos, y aún más si los músicos son experimentadores y no conformistas. Comentó también la cerrada actitud del cabildo catedralicio de Toledo que no le habían permitido el acceso a las campanas de la catedral durante su concierto de apertura del 400 aniversario de el Greco.

Por fin comenzó el sonido. Y hay que decir que el sonido que produjo Madam, sobre una de las piezas del Cuaderno, fue sutil. Sutileza y finura son las dos palabras que mejor pueden definir una pieza que también pareció un homenaje a John Cage. Desde sus instrumentos, preparados o no, electrificados o no, computerizados o no, los Madam tuvieron a los presentes muy pendientes de sus mínimos movimientos para captar sus sonidos mínimos.
En la fotografía Llorenç Barber y Montserrat Palacios
 En la segunda parte, Llorenç Barber incorporó su atril de campanas móvil y Montserrat Palacios su máquina de coser eléctrica y su voz. Aquí el sonido se llenó con muchas más variaciones. Digamos que se enriqueció con las retroalimentaciones que unos instrumentos proporcionaban a los otros. Tanto Lorenç como Montserrat Palacios practicaron recorridos sonoros por el espacio y, en general, la pieza gustó mucho a los asistentes que, cuando terminó, tardaron un tiempo en reaccionar y levantarse de sus asientos.

viernes, 25 de abril de 2014

WEBMEMORY_01. VIDEO

A short memory from surfing the web the last two weeks. A failed attempt to avoid the volatility of the images seen.
Pequeña memoria de las navegaciones en Internet las dos últimas semanas. Un intento fallido de evitar la volatilidad de las imágenes vistas.

lunes, 31 de marzo de 2014

INSONORA EN EL MCNARS.


Desde el jueves 13 de Marzo viene presentándose, en diferentes espacios de  Madrid, la octava edición de INSONORA, compuesta, como ellos mismos dicen, por "exposiciones y eventos".
El sábado 29 se programó un evento en el Auditorio 400 del Edificio Nouvel del Reina Sofía que según el programa de mano era una cosa y según el mismo programa, pero en páginas interiores era otra y, según la página web, otra parecida pero diferente. Luego, ya in situ, la presentadora y directora de In-Sonora, Maite Camacho, volvió a cambiar. En resumen, estuve allí junto con C.C. unas dos horas y no estoy muy seguro de lo que vi/escuché. Hecha la aclaración, avanzo mis suposiciones:

Nada más apagarse las luces de sala se pudo escuchar un estupendo y divertido aviso de apagar los móviles. Fue un buen comienzo lleno de ironía sonora, pero ... ¿era la anunciada pieza sonora de Alicia G. Hierro? Tal vez sí.

A continuación ocuparon la zona izquierda del escenario un flautista, un guitarrista y un manipulador de aparatos electrónicos (se supone, porque desde la segunda fila de butacas no se podía ver).

No pude no recordar alguno de los primeros "eventos" de In-Sonora en el muy reducido espacio Menos Uno de la calle de La Palma, donde comenzó In-Sonora. No se trata de reivindicar la estrechez del espacio, ni lo reducido de la asistencia, sino de evidenciar que, en Menos Uno, era fácil ver qué era lo que hacia cada uno de los productores de sonido que intervenían, así como el aparataje/instrumental que usaban.  ¿Habría alguna manera de mejorar esto de la visibilidad instrumental y su manejo? ¿Es necesario o es sólo una apreciación personal?

En el caso de Lucas Bolaño, Peter Memmer y José Delgado (España-Alemania) ya queda dicho que de los aparatos electrónicos no se pudo ver nada. Incluso el guitarra se agachaba continuamente para usar con las manos algunos elementos que normalmente están pensados para usar con los pies y que, lógicamente, estaban en el suelo. El sonido y las manipulaciones del flautista estaban mucho más claros; y del hombre sentado ante los invisibles elementos electrónicos, sólo señalar la pianística manera de levantar su mano derecha cuando terminaba de ejecutar algún efecto sonoro.
Creo entender que la pieza se llama Vietnam Raw Sessions por la fácil inclusión al comienzo de una melodía oriental. La cosa mejora bastante cuando desaparece y el ambiente denso del sonido electrónico envuelve los graves sostenidos de la flauta y los efectos (cuando son reconocibles) de la guitarra eléctrica.

Luego vino una pieza sonora (¿o fueron dos y sólo se distinguió una?) atribuibles según programa a Polsick y Colectivo Inflexos Transcorpo. Lo que se distinguió fue, según un texto proyectado, largo, de letra pequeña y difícil de leer, un paisaje sonoro recogido en un paseo por una calle de alguna población brasileña. Entretenido.

A continuación, ocupó el centro del escenario, completamente a oscuras excepto un pequeño grupo luminoso de leds que alumbraban la mesa, lo que en todas partes aparece como "Desde los Bosques", para, en un pequeño texto del programa, descubrir que es el proyecto personal de David Coello. La pieza comienza con un sonido muy semejante a pasos con eco, como de película de terror, que culminan con un golpe seco, como de un disparo. Luego evoluciona hacia una serie de sonidos más bien mecánicos que se superponen a voces de mujer y hombre, distorsionadas e inteligibles. Mientras, en la pantalla se proyectaban imágenes b/n también distorsionadas entre las que se pudo distinguir un pómulo y un ojo, así como una ventana cerrada desde la que se puede ver en la lejanía las copas de algunos árboles. No terminé de escuchar la pieza. No me animó a distinguir sus matices.

La concurrencia, no mucha, a lo que me pareció, estaba mayoritariamente compuesta por familiares y amigos de los músicos, que habían venido con sus niños a pasar la tarde del sábado en el museo. Los niños y quienes les cuidaban, claro está, estaban fuera del auditorio. En ese vestíbulo de madera carísima que el señor Nouvell se empeño en importar de Africa y que constituye la pesadilla de los encargados del mantenimiento del museo.

Este tipo de sonido/música/acusmática es difícil. Difícil de presentar y más difícil aún de escuchar. Es demasiado nueva para los oídos ahormados por las siete notas y con mucho riesgo de ser monótono, pesado y aburrido si extrema sus tiempos. Tiene una gran ventaja: son sonidos que cualquiera puede generar. Y la democratización de las nuevas tecnologías permite que cada quien pueda jugar con el sonido a su gusto. El problema, como siempre, viene cuando tiene que gustar a los demás. Pero eso es algo a lo que nadie está obligado.