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martes, 6 de diciembre de 2016

¿INTELIGENCIA vs CULTURA?


EL CONFLICTO ENTRE CULTURA E INTELIGENCIA PERSISTE. SIN EMBARGO, LA OBRA Y AUN LA VIDA DE SAMUEL BECKETT PODRÍAN AYUDARNOS A RESOLVERLO
samuel beckett inteligencia vs cultura
“Ser culto” y “ser inteligente” se consideran estados distintos del intelecto. Uno se refiere a la “cultura” que posee una persona y el otro tiene connotaciones un tanto más científicas, como una característica casi fisiológica que puede medirse y cuantificarse.
Así, alguien es culto por los libros que ha leído y recuerda, por la calidad de su vocabulario, por las películas que ha visto e incluso por los viajes que ha realizado. Culto es aquel que se ha cultivado, como un campo, para obtener para sí los mejores frutos de la civilización. Desde una perspectiva en la que se combinan los proyectos más ambiciosos de Occidente —de los valores de la antigüedad clásica al humanismo del Renacimiento, el cristianismo y la Ilustración—, una persona culta también es compasiva, empática, solidaria, amable y quizá hasta sabia. En pocas palabras, hay toda una corriente de pensamiento que ha defendido que el ser humano se vuelve tal sólo gracias a la cultura.
La inteligencia, por otro lado, se ha pensado y estudiado sobre todo como una cualidad inherente al hombre como especie. Nuestra inteligencia es resultado de la evolución y, por lo mismo, todos los individuos la tienen. Desde un punto de vista científico, la inteligencia explica que seamos capaces de leer o ver una película, pero también sumar o restar cantidades, y que podamos manejar un automóvil o atrapar una pelota.
inteligencia vs cultura 7
Curiosamente, por razones que no son del todo claras pero quizá se expliquen por el clasismo de ciertas sociedades, en ciertas circunstancias la cultura y la inteligencia pueden aparecer enfrentadas. Dado que la cultura se convirtió en un bien asociado a las clases privilegiadas —la nobleza o la burguesía, por ejemplo—, también se ha utilizado como una suerte de discriminador, una forma de distinguir entre una persona que tuvo acceso a dicha cultura —a ciertos libros, ciertas escuelas, ciertos viajes— y otra que no. Cuando la cultura se usa de esa manera, es previsible que se convierta en una categoría deleznable.
De ahí que surja entonces el “ser inteligente” como una especie de defensa: quizá no todos seamos cultos, pero indudablemente todos somos inteligentes. Para algunos no tener cultura se compensa con el hecho de, por ejemplo, poder resolver problemas con facilidad, o vivir con sencillez, sin crearse esos laberintos absurdos en los que a veces se mete la gente culta.
Sólo que ninguna categoría es mejor que otra. Desafortunadamente, es cierto que tanto la cultura como la inteligencia están relacionadas con la desigualdad inevitable del sistema de producción hegemónico. La desnutrición, por ejemplo, tiene efectos sobre el desarrollo cognitivo de un niño, y sabemos bien que hay sociedades más desnutridas que otras. Igualmente la cultura, a pesar de todos sus sueños humanistas, se ha convertido en un producto de consumo, lo cual provoca que surja y se destine a personas que puedan adquirirla.
inteligencia vs cultura 3
Quizá por eso hay un punto en el que ser inteligente parezca más atractivo que ser culto. ¿Para qué cultivarse, si la cultura también sirve para humillar y diferenciar? ¿Para qué cultivarse si, con eso, también se alimenta esa maquinaria despiadada de producción-consumo-deshecho? Conflictos en donde la cultura está involucrada y, por eso mismo, no parece probable que sea un camino para solucionarlos.
¿Y la inteligencia? Quizá ahí se encuentren otras posibilidades. A pesar del dicho de Proust —“Cada día atribuyo menos valor a la inteligencia”—, quizá la inteligencia sea ese salvoconducto que nos lleve fuera de las posturas falsas y los simulacros de la cultura contemporánea.
A propósito de este asunto, hace unos días Nicholas Lezard publicó en The Guardian un artículo en que habla de la diferencia entre la inteligencia y la intelectualidad a partir de Esperando a Godot, la célebre pieza de Samuel Beckett. Como sabemos, Esperando a Godot se considera uno de los mejores usos del absurdo dentro de la literatura, una obra revolucionaria tanto estética como culturalmente, pues retrató con frialdad el extremo del nihilismo al que había llegado la civilización europea del siglo XX.
waiting for godot waiting for godot
Lezard recuerda la atracción que de inmediato sintió por Esperando a Godot, un ambiente que a pesar de su parquedad —o quizá debido a esta— de inmediato lo hizo sentir bien recibido, acaso no totalmente cómodo pero sí en un territorio inesperadamente familiar. “Desde la primera página estaba hipnotizado, sorprendido”, escribe Lezard, a quien la extrañeza de los diálogos beckettianos, simples y no tan simples al mismo tiempo, lo condujo a un territorio que imprevisiblemente no era del todo desconocido.
En breve, estaba enganchado. Ahí tenía a un autor que era irreverente, escatólógico y sin embargo profundo; alguien completamente desinteresado en las convenciones de la literatura y sin embargo capaz, justo por medio del lenguaje, de mantener nuestra atención a pesar de que nada esté sucediendo. […] Y conforme descubrí detalles de su vida, primero por la biografía semi-autorizada de Deirdre Bair, me di cuenta de que no sólo su trabajo era ejemplar, sino también su vida. Ahí estaba alguien que se había purgado a sí mismo de vanidad, tanto la suya como la del mundo; un hombre de una integridad intachable, tanto en su obra como en su vida.
Con estos antecedentes, Lezard acepta que Beckett sea considerado un autor “intelectual”; “pero sospecho que es porque muchas personas no conocen la diferencia entre ser inteligente y ser intelectual”. ¿Y cuál es esa diferencia? Dice Lezard:
Más tarde descubrí que Beckett era, de hecho, furiosamente intelectual, pero que había dejado atrás la academia, aborrecido la oscuridad de la jerga y ciertamente no era el tipo de intelectual de posición a quien las televisoras piden su opinión.
Un guiño de inteligencia por parte de Beckett, parece decirnos Lizard. El gesto de tributar la cultura a la autenticidad para aceptar así que, a lo sumo, podremos responder dos o tres preguntas en la vida, poco más o poco menos, y será suficiente, y será más auténtico que todas esas preguntas que dicen responder las personas cultas y los intelectuales.
beckett inteligencia vs cultura
gracias a pijamasurf

viernes, 18 de noviembre de 2016

"NEUROEDUCACIÓN" DE FRANCISCO MORA.



La neurociencia cognitiva ya nos indica, a través del estudio de la actividad de las diferentes áreas del cerebro y sus funciones que solo puede ser verdaderamente aprendido aquello que te dice algo. Aquello que llama la atención y genera emoción. Aquello que es diferente y sobresale de la monotonía”.

lunes, 7 de noviembre de 2016

APRENDIENDO DE ZYGMUNT BAUMAN.


“Como estamos padeciendo una crisis detrás de otra, no prestamos atención a lo que es definitivo: no podemos seguir viviendo como vivíamos, no podemos consumir como antes. Y eso es un hecho. Hay que olvidar de una vez que la felicidad esté relacionada con la adquisición de bienes”.

martes, 29 de marzo de 2016

DESMONTANDO A FREUD.

Un libro realmente necesario y fácil de conseguir, gratis, en .pdf. Absolutamente recomendable para desaprender las nefastas invenciones del psicoanálisis freudiano y sus secuelas.

viernes, 5 de febrero de 2016

CENTENARIO DE DADA. ¡¡CELÉBRALO!!


El Cabaré Voltaire fue fundado el 5 de febrero de 1916 por Hugo Ball en Zúrich como un cabaré con fines artísticos y políticos. Se encontraba en la planta superior de un teatro de cuyas serias exhibiciones se burlaban las obras interpretadas en el cabaré. En él normalmente se experimentaban nuevas tendencias artísticas. Fue aquí donde algunes piensan que se fundó el Movimiento DadáCien años después, algunes todavía no se han enterado y siguen sin entender lo que ha venido después en el arte.

martes, 10 de noviembre de 2015

LA FARMACIA DE A. CHEJOV

Periódicamente Ángel Simón se acerca a Madrid y, en la Taberna del Fin del Mundo, presenta su show. Corto, inteligente y divertido. Merece la pena. Si te enteras de su próxima presentación, no te la pierdas.

jueves, 6 de marzo de 2014

CARTA POR LA DEMOCRACIA.


Es un documento largo pero claro y, sobre todo,  fundamental para nuestro futuro. Debería ser de lectura obligatoria para todes les polítiques. Sean del país que sean. Y, desde luego, su lectura es muy aconsejable para todes les demás personas.
(Copia y pega el enlace en tu navegador)

http://movimientodemocracia.net/2014/03/05/carta-por-la-democracia-version-marzo-2014




domingo, 16 de febrero de 2014

I PREFER NOT TO.

El pasado viernes 14.02.2014 se celebró en el Auditorio 400 del MNCA Reina Sofía de Madrid una extraña ceremonia a la que decidí no asístir. Me era fácil imaginar de qué iba aquello. Por eso incluyo aquí el siguiente artículo publicado en el blog SALONKRITIC:


"El arte contemporáneo “degoyado” por el propio IAC - María Virginia Jaua

arte degoyado.jpg
 Hay una anécdota del mundo de la literatura que quizás tenga algún sentido recordar estos días. Cuando Edgar Allan Poe dirigía una de las varias revistas que editó, un señor le envió unos poemas desafortunados para que los publicara. Poe los rechazó amablemente, pero el señor se enfadó e insistió en la validez de sus textos. Poe dijo entonces: “fulano de tal nos ha enviado unos versos, los cuales hemos declinado publicar por su propio bien, pero si sigue insistiendo los vamos a publicar.”
Esta pequeña anécdota editorial ilustra a la perfección el hecho de que a veces es mejor no empeñarse en el desatino: por el propio bien de uno, pero aún más por el del colectivo, cuando se es el representante de uno. El problema no es errar, sino insistir en ello no una sino mil veces hasta consumar el desastre y arrastrar a los otros.
La insistencia y tozudez del presidente del IAC, puede a la larga ser mucho más costosa que la propia gala deslucida y sin sentido, que se llevó a cabo el pasado 14 de febrero: copia mala de la copia mala de la copia mala…
Para empezar ese empeño de poner al arte en el escaparate y bajo los reflectores o como les gusta decir: en el photocall -que ya no sabemos si hay una confusión en la vocación- no solo no conseguirá la supuesta y anheladísima “visibilidad” del arte contemporáneo español en donde es y debe ser “visible”, sino que tampoco conseguirá realmente nada de las cosas importantes para el arte, e incluso, diría, que por su vulgaridad lo aleja cada vez más de conseguir aquello de lo que realmente está urgido: la legitimidad que solo da el trabajo serio.
Si existe una desafección del público con respecto al arte quizás se deba, entre otras cosas, a que muchas de las exposiciones de “arte contemporáneo” son algo realmente incompresible, pretensioso y sin ningún tipo de sustento de investigación ni de rigor y en las que muchas veces se hace énfasis en algo que al público no se le escapa: su sumisión a intereses del mercado y del capital por encima de la búsqueda del conocimiento. Es decir: sus falacias. Y a lo que ahora se quiere sumar este afán inútil de reunir con lo que debería ser una mayor exigencia en la producción de significado, la social-banalité más hortera.
No nos cansaremos de insistir que se debe comenzar por hacer una verdadera crítica, es decir: empezar con una autocrítica radical, mucho más conveniente y necesaria que la palmadita y el premio de ocho toneladas (como bien señaló alguien que recogió uno de los galardones) dado entre colegas, con el fin de subirse la moral unos a otros, para luego tener un pequeño crédito “afectivo” con el que gestionar favores.
Esto se hizo evidente en el acto cuasi-escolar que se llevó a cabo en el auditorio del museo Reina Sofía. El texto de los presentadores de la gala, que en lugar de conseguir esa “identificación” necesaria con los asistentes (ni en la forma ni en el fondo), produjeron horror a los miembros del colectivo artístico, se mereció -ese sí, un reconocimiento al mejor “guión” de sandeces jamás pronunciado para bochorno de todos los presentes. Entre los infinitos disparates, me quedo con esta perla: “el arte es como el champagne, el arte es una confusión feliz.”
En cambio, dicho guión hizo bien evidente que ni el impulsor del evento no cree realmente en lo que hace: apoyar el arte de su tiempo. En ningún momento se mencionó el nombre de algún artista contemporáneo español y sin embargo, no se escatimaron “elogios” a Murillo, a Botticelli y al pobre de Goya… pero sobre todo el palmarés de la apología a los artistas, se lo llevó esta: “para ser realmente artista, este debe estar muerto”. En fin, uno de los doscientos mil chistes malos e involuntarios de la gala. Pero el despropósito no queda solo ahí, también se expresó por la boca llena de botox de una de los freshianfitriones, esa idea tan saludable que se tiene de la crítica: algo temible y horroroso.
Más bien nos resultó extrañísima dicha afirmación, porque supuestamente se pretende “reconocer” a la crítica y “animarla”. Mejor aplíquenla de una vez por todas y si no pueden: acéptenla y agradézcanla: al final, es por su propio bien y del colectivo al que también la propia crítica pertenece.
Otro detalle digno de mencionar es que la gala del Arte Contemporáneo se vistió de luces reconociendo como los mejores proyectos expositivos del año 2013 a dos muestras que NO son de arte contemporáneo [1]: “Contra Tàpies” (comisariada por Valentín Roma en la Fundación Tàpies y “La invención concreta” (comisariada por Manolo Borja Villel y Gabriel Pérez Barreiro en el MNCARS).
¿Os dáis cuenta de vuestras infinitas contradicciones? ¿Con qué criterio se hicieron esas valoraciones? ¿Habremos de recordarle al señor Cereceda a qué periodos y a qué movimientos corresponden los principales artistas de ambas muestras*?
Sin duda, ahí no se trataba de artistas “contemporáneos”. A menos que se considere la contemporaneidad como algo arqueológico: que mira al pasado. ¡Pero qué importa, dirá alguno, si “se trata de una fiesta” con una sonrisa desdibujada en el rostro. Pero el festejo ya se había aguado con antelación [2] y no fue a causa de la lluvia madrileña: el primero, Valentín Roma, rechazó el premio, por considerarlo una payasada y el segundo, aunque quizás le habría gustado declinar el honor, no pudo por ser la máxima autoridad de la institución que albergó el evento.
A este doble “error”, se suma otro no menos “visible”, ya que se había señalado varios días antes en las redes sociales: Cildo Meireles no es, no puede y no será ya nunca un artista “revelación”. Una vez más se manifestó la férrea voluntad del presidente del IAC en perseverar a ciegas en su propio desatino. Teniendo en cuenta que se pudo enmendar, al haber muchos artistas jóvenes notables en Latinoamérica. Algunos de ellos incluso viven en Madrid y habían sido nominados como Marlon de Azambuja, quien por cierto acaba de presentar, en la galería Max Estrella de Madrid, una excelente muestra en la que reflexiona sobre la inestabilidad y la precariedad del proyecto de la Modernidad.
Otra de las particularidades de este evento que podría tener una lectura en clave decolonial es la insistencia infinitamente cansina y española de que querer “descubrir” el Nuevo Mundo. En lugar de querer “descubrirnos” a nosotros los latinoamericanos; por qué mejor no se dejan descubrir vosotros. Lo digo no sólo porque si os dejárais descubrir quizás se lograría la tan ansiada “visibilidad” que el arte español reclama, pero también no vendría mal un cambio de roles, porque la historia se nos está haciendo un tanto aburrida. Este afán de querer ser los “descubridores” de un arte que ya tiene un lugar bastante visitado y revisitado en el mapa del arte mundial y que llegó mucho antes a Nueva York, París o Londres que a Madrid, no sólo pone en evidencia las carencias culturales, y cierto dejo de oportunismo: apropiarse de un discurso ya legitimado sin arriesgar para propio beneficio. Pues si fuera el caso de “revelar” algo verdaderamente no conocido habrían podido contemplar artistas de Asia, África u Oceanía.
El acto de reconocer el trabajo, el esfuerzo y el rigor en sí mismo no tiene nada de reprochable, al contrario puede ser bastante loable. Pero esto no se consigue con galas ni con premios, no son tiempos para ello, incluso el mismo Miguel Cereceda insistió varias veces en ello, contradiciéndose -una vez más- haciendo lo opuesto de lo que afirma; pero es que parece carecer del más mínimo criterio para hacerlo.
Además de que no son premios ni fiestas lo que el arte necesita, como él mismo afirmó en varias ocasiones, resulta curioso que se haga por medio de métodos un tanto opacos por parte del IAC (una asociación que se conocía por su defensa de la transparencia y de las buenas prácticas). Nadie entendió el criterio de las disparatadas nominaciones ni tampoco de los premios. Muchas personas se fueron con la idea de que todo se decidió a dedo por él y cuatro personas de una misma asociación, incluido su director. En ese sentido, mucho más sobrias, transparentes y coherentes han sido los métodos y las formas de la asociación Mujeres en las Artes Visuales (MAV) que en su premiación independiente y con la votación de todas sus afiliadas, demostró mucha más profesionalidad.
Aquí no se busca descalificar ninguno de los reconocimientos, al contrario, algunos de ellos muy merecidos, pero sí señalar el despropósito, la inutilidad, las contradicciones y el fiasco de insistir innecesariamente en un camino plagado de errores por pura soberbia y por afán de “figurar” en la repartición de “estrellitas”.
Porque de todos los discursos que se escucharon a unos decibeles -que rompían los oídos de los presentes, como si de una arenga politiquera se tratara, el más absurdo, fue el del impulsor de los “reconocimientos”, el actual presidente del IAC, una asociación que ve su credibilidad por los suelos, cuando su representante proclama la dignidad y la excelencia del arte junto con las de la publicidad, la televisión y el turismo, con esta afirmación contundente: “el arte nos hace más críticos y más hermosos [sic].”
Con ese bellísimo y profundo estament, digno colofón del leitmotiv incumplido de la velada “para que el arte enamore” en el día del año más propicio para ello, es que recordamos hoy la anécdota de Poe. Esperemos que por el bien propio y el del colectivo, el presidente del IAC recapacite y desista en su empeño amoroso [3] -de una vez por todas- de poner bajo los reflectores y en transmisión en directo al “degoyado” y mal entendido reconocimiento del “arte contemporáneo”, no vaya a ser que consiga la tan ansiada "visibilidad" por la que ha dado la vida."
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[1] Aunque la muestra Contra Tàpies contó con unos pocos artistas contemporáneos como Pep Agut o Vicente Vázquez/Usue Arrieta, no puede considerarse de ninguna manera como de “arte contemporáneo”, pues la mayoría de los artistas que se incluyen en ella, van desde las primeras hasta las últimas vanguardias del siglo XX.
Mientras que la exposición La invención concreta centra su atención en el desarrollo de la abstracción geométrica en Latinoamérica y abarca un marco cronológico que va de los años treinta y concluye en la década de los setenta del siglo XX. Como se señala en el texto con el que el Museo Reina Sofía la presenta a los visitantes.
[2] Véase el artículo de Peio Riaño "Los Goya arrancan con escándalo"
[3] Las excusas que Cereceda está dando en las redes sociales de que "todo no fue tan malo" y echarle la culpa a la productora de televisión que él contrató, en lugar de enmendar, agravan el hecho al no asumir la responsabilidad de la errada deriva por la que está llevando a todo un colectivo.

lunes, 16 de diciembre de 2013

JORNADA FINANCIACIÓN DE LA CULTURA.

El viernes 13.12.13, en la Sala Berlanga, de la SGAE, entre las 09h y las 18h tuvo lugar una jornada de presentaciones sobre la crisis y la financiación de la cultura.
El programa y el cartel de los participantes prometía. La cosa luego no dio tanto de sí.

Abrió la jornada Xose Luis Canido, que lleva poco más de un mes como Director General de la SGAE. Dijo que junto con la Fundación Alternativas, también coorganizadora de la jornada, llevaban un año trabajando en la elaboración de un estudio sobre el tema. Con la colaboración de más de 20 científicos españoles y europeos e "incluso con autores de la cultura". El estudio define la cultura como un sector estratégico y medio de transformación social, pero hay crisis y ...?


A continuación intervino Nicolás Sartorius que es Vicepresidente Ejecutivo de la Fundación Alternativas. Para él hay que unir cultura y comunicación. La financiación de la cultura no debería ser un problema sino una oportunidad. Frente a quienes mantienen mantienen que el arte debe ir al mercado libre, dice que el mercado no es libre. Todo está subvencionado: agricultura, automóvil, aeronáutica (sólo dos empresas en todo el mundo) energéticas -muy pocas-, la banca que es un oligopolio, o el cine en USA, el más apoyado del mundo con estrategias diferentes a la financiación directa, ¿por qué, se pregunta entonces, por qué se critica la financiación de la cultura? ¿Porque es crítica, porque no se somete? Debería estar mucho más protegida. 

La cultura son bienes intangibles que son esenciales para el futuro de lo que somos. Junto con la ciencia es lo único que se resiste a la "cultura cleenex". Debemos proteger la excepción cultural porque es transcendente. (La idea viene de Lang, el exministro francés de cultura) Y avisa: cuidado con el Tratado de Libre Comercio que se está preparando entre Europa y USA. Acabaremos controlados por el Big Brother, lo que ya está empezando con el control del ciberespacio. España nunca será una potencia militar ni económica, pero puede ser -lo es- cultural. Aunque aquí el futbol pague menos IVA que la cultura. Una cultura que necesita de la doble financiación: pública y privada. Y la Ley de mecenazgo no es financiación privada. El estado debe garantizar el equilibrio en la creación y evitar la concentración en las grandes ciudades. En cuanto a bajar cosas de internet, igual que la sanidad y la educación, no es gratis. Ya pagamos por ello. Y en cultura hay que diferenciar muy claramente entre precio y valor de uso. Einstein, o Cervantes, nunca cobraron derechos de autor. La cultura de verdad es instantánea y universal.
Apostilló Canido que debemos recordar que no seríamos lo que somos sin Grecia, y nunca pagamos derechos.La cultura es europea. Las industrias no.
El Dr.Rubio Arostegui habló sobre el Estudio que están preparando y que aparecerá en febrero/marzo 14. Como ejemplo de otras formas de financiación citó el de la venta de zanahorias a la puerta del teatro, con una entrada de regalo, porque así el IVA es del 4 y no del 21%. Dijo también que hay un informe reciente de la Secretaría de las Artes (¿Comunidad, Ministerio?) sobre consumo cultural.

Joaquín Ríus, coautor del estudio, habló de cómo los resultados indican que hay un proceso de empobrecimiento-vanalización, espectacularización al apostar por el mercado y huir del riesgo.
Con la crisis, "el futuro ya no es lo que era". Avisa del riesgo del "internetcentrismo". Expone que la financiación privada y corporativa de más a quienes más tienen y abandona a quienes tienen poco o nada. (La apuesta por las grandes exposiciones en los grandes museos). El modelo de apoyo a la distribución no funciona. El derecho a la experiencia estética es universal y debe ser mantenido; no instrumentalizado! En la Constitución se recoge el derecho a la cultura. Propone que el posicionamiento estratégico del país es lo cultural. La marca España debe ser la cultura! 

Del Estudio en curso presentaron algunos datos y propuestas que se pueden ver en las diapos adjuntas.




 A vuela pluma voy copiando algunos comentarios que fueron haciendo los distintos intervinientes:
En los países nórdicos hay un alto nivel de intervención de los poderes públicos en la financiación de la cultura. Financiación directa a los creadores que llega hasta una renta básica. Principio de separación entre poder político y gestión cultural que se gestiona a través de consejos formados por personas no elegidas por los políticos, sino por el mundo cultural.

Lluís Bonet aportó muchos datos que se pueden ver en su blog: lluisbonet.blogspot.com

Phillip Schlesinger. En Gran Bretaña el presupuesto dedicado a cultura ha descendido un 30% desde 2011. También está aumentando la pobreza. El Arts Council no es elegido por los gobiernos, pero acaba reflejando en su composición la del partido gobernante. El 90% del presupuesto de cultura se gasta en Londres y su periferia. La ministra de cultura de Gran Bretaña ha dicho que la cultura es fundamental para el crecimiento económico. Han llegado a plantear una Gran Bretaña, S.A. La cultura es objeto de grandes confrontaciones entre lo económico y lo institucional.
Comparación entre dos modelos.
Gran Bretaña: Apoyo a la industria cinematográfica a través de un organismo ministerial UKFC (Consejo Británico Cinematográfico)
Escocia: Pequeña entidad independiente productora de cultura CEO (Cultural Enterprise Office)
Lo nacional frente a lo internacional en el primer caso.
La supeditación a lo político en el caso de UKFC y no en el de CEO.
Lo precario, CEO, es lo que ha sobrevivido.

Robert Levin, autor de un libro polémico sobre los derechos de autor y las descargas de internet. El discurso de Martin Luther King tiene derechos de autor, como defensa de su difusión en escuelas y centros de enseñanza¿¡?! El día del freeinternet (enero)muchos internautas lo subieron a la red. Cree que 50años son muchos para mantener los derechos de autor. Hay una contradicción entre Youtube, el copyright y la publicidad. Cree que el derecho de autor debe estar recogido en los Derechos Humanos. Los derechos de autor permiten vender algo antes de tenerlo ¿¡?! Pensamos en los derecho de autor como un freno a la cultura y no es así. No hay que perseguir las descargas individuales, sino a las grandes empresas que hace grandes negocios: el valor real de un i-phone no es la máquina, son los contenidos.

Jesús Cimarro, productor teatral, dice que el programa "Platea" del Ministerio de Cultura ha seleccionado ya 300 espectáculos a los que asegura una programación durante 2014. A preguntas de una asistente dice que los que han elegido esa programación son productores de espectáculos. También aclara que las compañías no se han presentado, sino que la "comisión" los ha elegido sin que tuvieran que presentarse. No ha habido una convocatoria pública. Muchos de los elegidos, ni siquiera saben que estaban propuestos. Dice también que las salas de teatro son en un 80% de titularidad pública y que el 90% de la programación la llevan empresas privadas. Dice que el programa "Platea" es bueno, a pesar de todo, porque incluye hasta un 60% del coste de producción en caso de pérdidas. Y también es buena la externalización de los espacios públicos.

Antonio Mª Avila de la Federación de editores: la cultura no sólo son espectáculos, la música no sólo son discos, la literatura no sólo libros y el cine no sólo películas. Sin ánimo de lucro no significa con ánimo de perdidas. La cultura no son las industrias culturales. Pero el Ministerio de cultura está siendo vaciado porque todo lo que produce dinero está yendo al Ministerio de Industria.

Ha sido un día largo. Y, a mi parecer, excepto la promesa del Estudio que están haciendo la Sgae y la Fundación Alternativas, poco de nuevo, excepto las trapacerías del programa "Platea". 

domingo, 6 de octubre de 2013

ACAMPADASOL 05.10.2013

Había mucha gente en la Puerta del Sol de Madrid la tarde del sábado. No tanta como en otras convocatorias, pero seguía siendo un espacio  vivo con gentes de todo tipo y pelaje. Reivindicativos y turistas, pedigüeños y policías, comediantes y gentes de Greenpeace, grafiteros de suelo y hombres-estatua. Todo bullendo en una magnífica tarde de otoño. Las fotos dan buena cuenta de ello. Curiosamente no había chinos vendiendo latas de cerveza. Deben haber aprendido ya que en las convocatorias del 15M no son bienvenidos porque "La revolución no es un botellón".









lunes, 5 de agosto de 2013

ALAN BADIOU: SOBRE EL DINERO.

Un vídeo breve, en francés con subtítulos en inglés. Un análisis esclarecedor del presente y una propuesta esperanzadora de futuro.

http://blog.p2pfoundation.net/alain-badiou-on-the-philosohy-of-money/2013/07/26

viernes, 2 de agosto de 2013

ZOOMWOOZ LO HACEN MUY BIEN.

"Desde el pasado 20 de julio, el colectivo Zoomwooz, compuesto por el español Andrés Beladiez y la alemana Karla Kracht, ha permanecido en residencia en Off Limits tras su paso por festivales tan relevantes como la Feria internacional de Artes Escénicas de San Sebastián, el Encuentro Internacional de Nuevas Formas Escénicas 321 Alhóndiga de Bilbao o el reciente Festival Fringe que ha ocupado el centro madrileño Matadero este mes de julio.
Zoomwooz presenta ahora su trabajo y recorrido artístico en Off Limits, este jueves 1 de agosto, a las 21 horas.  Disfrutaremos de una vídeo performance o un espectáculo Live Cinema con montaje multidisciplinar, que pondrá en juego múltiples lenguajes y medios de expresión: música, vídeo, juegos de sombras, etc. Los artistas Karla Kracht y Andrés Beladiez sobre todo nos hablarán de la posición del individuo en un conjunto sistémico siempre cambiante al que llamamos sociedad". (Texto de la convocatoria)

Más información sobre Zoomwooz:
http://www.karlakracht.com/zoomwooz/
https://vimeo.com/50487327


 

 Con un material "póvera" -cartones pintados las más de las veces-, unas linternas, una cámara de vídeo y un ordenador, Zoomwooz consigue realizar un espectáculo que atrapa desde el primer momento. El uso inteligente de la luz (¡la luz de una linterna!) nos lleva de unas imágenes a otras. Las "cosas" no ocurren delante de la cámara, como es lo habitual en el cine, sino que es la cámara la que recorre, busca y presenta las cosas. El sonido es un continuo lleno de cortes y efectos -también algún retazo de música, pero entendida también como sonido- que nos sumerge aún más en lo que estamos viendo. Y lo que estamos viendo es una pantalla en la que se proyectan "imágenes","cosas", "movimientos", "luces y sombras" que producen dos personas delante mismo de nuestras narices. Y todo el espacio en el que estamos es parte del cinema expandido que practica, con inteligencia, el dúo Zoomwooz.


En el texto de presentación se habla de mostrar "la posición del individuo en un conjunto sistémico siempre cambiante al que llamamos sociedad". Es cierto. Desde los bloques de edificios a las oficinas de correos, desde los letreros luminosos y parpadeantes de los bares, hasta los oscuros sótanos de las pesadillas; desde la contestación social al consumismo, todo eso y mucho más está en el trabajo de Zoomwooz. Un trabajo que también es "un conjunto sistémico siempre cambiante" al que algunos llaman cinema expandido y otros videoperformance, o videoarte, Da igual cómo lo llamen y la etiqueta que le pongan. Es un espectáculo inteligente y bien realizado que merece la pena ver. Pero verlo en directo, porque el vídeo que hay en Vimeo -y cualquier otro que suban a la red- no "cuenta" ni la mitad de la mitad del espectáculo de Zoomwooz.


viernes, 5 de julio de 2013

LA CALLE DEL DOCTOR FOURQUET.



La calle del doctor Fourquet, en Madrid, está de moda. Es el no va más en el mundo del arte. ¡Que dure y que sea para bien!

Hace ya muchos años, la parte inicial, la más alta, la más cercana al museo Reina Sofia, ha sido lugar de galerías y espacios de arte. Imposible recordarlos todos: la galería de Helga de Alvear, el veterano espacio de Cruce, Pensamiento Contemporáneo, la galería Espacio Mínimo, ... Ahí estuvo también la pequeña galería que abrió y cerró Mitsuo Miura, la recién abierta Galería García, ... lo dicho: imposible recordarlos todos. Y ahora menos aún, porque desde hace algunos meses ha comenzado a poblarse de espacios de arte y similares el tramo bajo, el que está al sur y que parte de la calle Argumosa. Allí se ha trasladado la galería Fúcares y otras dos o tres más, aparte de la Sala Mirador, dedicada a conciertos, una agencia de comunicación digital con unos escaparates muy ilustrados y hasta un enorme solar abandonado y "okupado" con permiso del ayuntamiento, gestionado por vecinos que se llama "Esto es una Plaza" y que pretende ser también un espacio cultural.

En la calle hay bares animados, exposiciones de FotoEspaña, muros con pintadas espectaculares y la casi constante asistencia de gente joven que da animación a una calle estrecha y de muy poca circulación de coches.

Ayer, 4 de julio, a las 20,30 horas estaba anunciada la presentación de un corto titulado "Mar y Montaña" en la galería Fúcares. Con la esponsorización etílica de una marca de ginebra y otra de agua tónica. Todo organizado por una nueva empresa, (Cult)Cards, dedicada a la animación de eventos culturales. Pero mejor no hablar de ello. No hablar de una presentación que se retrasó casi una hora. (Explicaciones de la empresa novata: problemas de una conexión ordenador-vídeo por un cable no compatible -algo que cualquiera que ha hecho una presentación sabe que ocurre con frecuencia y que hay que verificar las conexiones hasta tres veces antes de empezar.) No hablar del corto en el que dos chicas monas y con una vocalización horrorosa, mantienen una conversación supuestamente graciosa e interesante -supuestamente- mientras esperan a que les sirvan un arroz de mar y montaña. No hablar de la mala acústica del espacio, algo que Norberto Dotor, de Fúcares, debería tener en cuenta. No hablar de los muchos que salimos a la calle para huir del ruido interior, ...

Pero seguro que Fúcares, (Cult)Cards y todos los demás habitantes de la calle del doctor Fourquet seguirán aportándonos muchas, nuevas, mejores y más puntuales cosas.

martes, 11 de junio de 2013

CONTRA LA PENA DE MUERTE.


Hoy, diez de junio de 2013, a las 19h, en la Cineteca se ha presentado el 5º Congreso Mundial Contra la Pena de Muerte. Organizado por la asociación francesa "Ensemble contre la peine de mort" en colaboración con la "World Coalition Against The Death Penalty" y el soporte del Gobierno de España, El Ministerio noruego de Asuntos Exteriores, la Embajada de Suiza en España y la República de Francia.

En el acto de presentación han participado cuatro personas: El embajador de Suiza en España, la Directora del Festival de Cine Contra la Pena de Muerte, la coordinadora del 5º Encuentro y el Director de Amnistia Internacional en España. Breves intervenciones que han dado paso a la proyección del documental "McGowen, condenado a muerte 889".

(De la cuatro personas participantes, dos han hecho referencia a lo paradójico que resulta presentar este congreso contra la pena de muerte en el Matadero. Pero el mal nombre de este recinto es muy deliberadamente mantenido por lo más reaccionario del partido popular. Son los que están contra la ley del aborto y a favor de la pena de muerte. Quieren que, de una manera u otra, la amenaza de la muerte siga estando presente. Que nadie pueda olvidar que los "mataderos" existen, que están muy presentes en la cultura y la vida de esta ciudad.)

El caso de McGowen es prototípico. En la población del estado de Tejas donde más penas de muerte se aplican, tras un juicio irregular, acusado sin pruebas por la delación de un confidente a cambio de una reducción en su pena, McGowen fue condenado a muerte hace 26 años. Creo que no hace falta decir que McGowen, como el 90% de los condenados a muerte en Estados Unidos, es afroamericano. Durante su estancia en la prisión McGowen ha experimentado una profunda transformación, hasta encontrar la paz interior y convertirse en el consejero de muchas personas en el mundo a través de una intensa correspondencia.

Un escritor suizo conoció su caso, comenzó a cartearse con él y publicó un primer libro con sus cartas. El libro fue un éxito de ventas y recientemente se ha publicado un segundo libro con no menos éxito. Desde Suiza, y tras hacerle una visita en la prisión, se comenzó a organizar un equipo de personas que, en todo el mundo, han hecho una campaña para evitar que McGowen sea ejecutado. A los pimeros meses de este año, la Corte Suprema de Estados Unidos ha dictaminado que McGowen tiene derecho a que se repita su juicio por los defectos de forma del primero. Cabe la posibilidad de que tras el nuevo juicio, se confirme su sentencia a muerte, le sea conmutada por la cadena perpetua o salga de la carcel en libertad bajo fianza.

El documental ha sido realizado por un equipo suizo en cuatro entrevistas que lograron tener con él en la cárcel de alta seguridad en la que está confinado. Resulta francamente chocante escuchar las declaraciones de este hombre, ver su tranquilidad y mirar sus ojos en cualquiera de los muchos primerísimos planos que le han filmado. No hay en él ningún resentimiento, ningún nerviosismo ni ansiedad. Sólo paz y espiritualidad. Por momentos, su discurso sobre el amor como fuerza para conseguir el equilibrio interior y hasta la libertad de espíritu, puede sonar impostado; pero su gestualidad, la expresión de su semblante y la limpieza de su mirada confirman su auténtica creencia en lo que está diciendo. Tras veintiséis años de cárcel en espera de la pena de muerte, McGowen sólo habla de amor y perdón. 

El 5º Congreso Mundial Contra la Pena de Muerte se celebrará a partir del día doce de junio en el Palacio Municipal de Congresos de Madrid. Participarán más de 1.500 delegados y estarán representadas más de cien naciones. Más de 200 participantes y periodistas de paises donde aún se aplica la pena de muerte. Habrá 21 debates: sesiones plenarias, mesas redondas y talleres además de una amplia programación cultural en distintos espacios de la ciudad y se clausurará con una marcha final por las calles de Madrid y un gran happening. 

¡Ojala que este congreso sirva para acelerar la abolición completa de la pena de muerte! ¡Ojala que el preso McGowen pueda salir en libertad! 


domingo, 9 de junio de 2013

ALBA EN EL PATIO.

Hoy, domingo nueve de junio de dos mil trece, a las ocho y media de la tarde, en el espacio "El Patio de Martín de los Heros", Alba Soto, ante una audiencia de poco más de treinta personas, ha presentado una pieza teatral en tres actos y una introducción. La convocatoria anunciaba el acto como performance-exposición y que el tema era la espera.



Efectivamente Alba ha dicho un texto -bien escrito, sin más profundidades- dividido en los tres actos y la introducción citados, en cuatro diferentes zonas del espacio que, incluso siendo pequeño, presenta tres zonas bien diferenciadas. En cada una de ellas -y en una dos veces- una muy sonriente Alba ha ido diciendo las frases del texto que, como nos ha aclarado luego, por si no nos habíamos dado cuenta, no conforman ningún tipo de narración; aunque en algún caso -segunda secuencia- si que hay un devaneo mental a propósito de una llamada que se espera y que no llega.




Así la audiencia, siguiendo a la artista, ha hecho su performance al trasladarse de un lugar a otro. Incluso ha habido quien se ha trasladado con silla incluida. En el digamos tercer acto, Alba ha solicitado la colaboración de alguna persona -tres mujeres- que han ido cortando unos pequeños envoltorios que pendían del entoldado de plástico que cubría el espacio y que servía de protección ante la lluvia puesto que esa parte del espacio es un verdadero patio de vecinos y por tanto descubierto. Los pequeños envoltorios llevaban un pequeño texto que decía "Abrase en un tiempo de espera". Pero alguno de los asistentes no ha podido esperar, o ha interpretado que aquel era precisamente un tiempo de espera, y ha abierto el envoltorio que contenía un pequeño envase de plástico de tamaño reducido con algún pequeño objeto en su interior (como los famosos muñecos sorpresa que regalan los huevos de chocolate Kinder).


El último acto ha consistido en la proyección de un vídeo y una reflexión filosófica alrededor de la vida y la zanahoria. ¿Que qué tiene que ver una cosa con la otra? Muy sencillo: la vida y la zanahoria son lo que son. Una zanahoria es una zanahoria y la vida es la vida. Así de sencillo. 

En la pantalla, mediante una truca simple y otra digital, distintas zanahorias ocupan el centro del campo de la cámara que, en contínuo movimiento nos lleva por diferentes espacios y lugares, rios, edificios, carreteras, caminos, terrazas de bar, ... Siempre con una zanahoria de por medio. En la parte final del vídeo Alba ejecuta una especie de danza en un bosque ataviada para la ocasión y con un tocado de alambres del que pendían varias zanahorias. Alba ha perseguido la zanahoria que  quedaba enfrente de su boca y, tras denodados intentos, por fin con la lengua ha conseguido situar la zanahoria de forma que ha podido morderla. Todo un triunfo que la artista ha celebrado eufórica y con su euforia termina el vídeo.

A continuación, ya con las luces encendidas, Alba ha aportado una tarta, decorada, como no, con algunas formas de zanahoria y ha dicho que como la audiencia era mucho mayor de lo que ella esperaba, habría de partir la tarta en porciones muy pequeñas. También ha aprovechado para preguntar si alguien quería preguntarle algo a ella. Como no era el caso, ha procedido a contarnos el resto de la exposición, que, junto a unos cuadros de formato vertical, varios objetos suspendidos o instalados, una serie de dibujos y la documentación fotográfica de otra acción que con el mismo tema realizó hace bastantes meses. conforman la anunciada exposición. Así pues, dibujo, pintura, objetos, teatro y vídeo. Indudablemente Alba Soto ha querido que viéramos su carácter renacentista y pluridisciplinar.



Ya para finalizar, Alba ha anunciado que habría lo que ha sido tradicionalmente el crowfunding, es decir, pasar la gorra o el platillo para las aportaciones voluntarias destinadas al mantenimiento del local.

NOTA SOBRE LAS FOTOGRAFÍAS: Es evidente que las fotografías de la performista -según ella misma se califica- están movidas. Pero siempre he pensado que las fotografía de las acciones deben incorporar al máximo posible, el movimiento que hay en ellas.

INEDITOS Y WHITE NOISE.

En la Casa Encendida de Madrid hay en estos momentos dos exposiciones. La primera de ellas es una más de la serie "Inéditos" que está, como no, dedicada a los comisarios. Está visto que, también en el arte, el poder está en la distribución y no en la producción. Como con las lechugas y los tomates. De las piezas seleccionadas por estos comisarios inéditos hay poco que decir. El discurso sobre la vergüenza es una idem ajena, con videos anodinos. Se salvan "La Cabina", de Antonio Mercero, protagonizada por J.L. López Vázquez, hace ya muchos, muchísimos años. Y la "Cámara vergonzosa", una cámara de video-vigilancia programada para evitar las imágenes de personas, de modo que cuando capta un movimiento gira en otra dirección. Aunque se le puede tender una trampa situando frente al objetivo un objeto que se tenga a mano, obligando al mecanismo a girar hacia la dirección donde esté la persona. O acudiendo varias personas que se sitúan en los ángulos hacia los que gira la cámara, con lo que, o bien se bloquea el mecanismo, o bien acaba mostrando a alguna de las personas. En cualquier caso, la idea de una cámara vergonzosa es divertida. E increíble.) Hay también algunas otras piezas, herméticas a más no poder, donde sólo merecen la atención unos objetos ensamblados en un impensable maridaje, o la construcción de algunos objetos que recuerdan aquella serie de objetos imposibles que circuló por varias ciudades europeas en los años 90. De otra pieza se puede decir que forma parte de una performance, que es posible imaginar por la fotografía de la tarjeta de invitación a la inauguración, pero nada más. Estos inéditos sería mejor que hubieran quedado en eso.





La otra exposición, con el título de "White Noise" -bien elegido, por cierto- es otra cosa bien distinta. Hay varios autores pero todos ellos tienen en común el delirio del pop, las mascotas de los productos comerciales, el colorido chillón y las distorsiones más divertidas. Resalta en esta exposición la película de animación digital "Logorama", donde los protagonistas son 2.500 logotipos de empresas de todos conocidas. Impecablemente realizada y con un humor corrosivo -riete tu de los Simpson- es una joya que merece más de un visionado. Y encima tiene mensaje!!