¿EL ARTE DEBE DOLER?

Activar el enlace para encontrar una reflexión muy, pero que muy pertinente, sobre el arte actual; sus actores y sus detr-actores.

http://pensacions.blogspot.com.es/2015/03/el-arte-debe-doler-perezosos.html

RESULTADOS RESULTONES.

 

En el Espacio que la Fundación Telefónica tiene en el número 3 de la calle Fuencarral de Madrid, se presentan las piezas e instalaciones de Jim Campbel "Ritmos de Luz". Son piezas que trabajan con la tecnología de leds y que consiguen resultados muy "resultones". Pero nada más. Tal vez la tecnología es demasiado nueva y aún no se ha encontrado la forma de transmitir algo más que el puro efecto lumínico, es cierto que muy sorprendente en algunos casos, pero frío y aséptico a pesar del colorido.

CUERPO +exPODER (I)

No sé que quiere decir eso de CUERPO +exPODER. Es posible que en alemán con Körper und Macht quede más claro. O que quiera decir otra cosa. En fin, un lío. Lo cierto es que la mayoría de las veces las cosas se definen por sí mismas y eso pasa también aquí y ahora. Ver la portada del programa del evento ya es una completa definición:

Un horario a trozos, como lo están las actividades/exposiciones. +Talleres y Conferencias. El batiburrillo completo. Aunque faltan por incluir la intervención de rap y música urbana ¡¿!?, la performance musical ¿¡!? y las Coplas del corazón. También el ballet y demostraciones de danza, la presentación de novelas, libros, colecciones y editoriales, sesiones de dibujo, subastas, un espacio abierto, teatro físico ¿¡!?, Danza Teatro, mas la proyección de películas, el reciclaje de trapos, "microResidencias", clases magistrales de personajes ficticios, cuentacuentos, un festival urbano infantil y hasta la presentación de puntos de vista ... Un parque de atracciones disfrazado de cultura. O la cultura disfrazada de parque de atracciones, que todo puede ser, metido en un Pasaje. ¿El del terror quizás?
Porque terror produce la venta de obras de Mail Art, en español Arte Correo, cuando una premisa ineludible del Arte Correo, junto con la de no censura, es la de no venta!!!! Por muy simbólico y/o sorprendente que pueda ser el "precio". Que quede aquí constancia del desvarío. EL ARTE CORREO NO SE VENDE.
Pero la mejor definición y también la más cultureta, la da uno de los artistas participantes, justo casi al comienzo del recorrido: Antón Patiño

También al principio del pasaje, la primera obra que se ve, es ya una contradicción con la propuesta para hablar del cuerpo y del poder; a menos que entendamos que el poder ha hecho desaparecer el cuerpo. Y no es cierto. Todo lo contrario: el cuerpo es hoy uno de los instrumentos del poder y su biopolítica. Pero tal vez esto es ir demasiado lejos en un entorno que no da para tanto. Curiose lectore opine por si misme.

También hay mucho que decir en cuanto a los participantes. Aunque sólo sea porque son muchos y por la importancia que a este muchos le han dado los organizadores. En algunos medios aparecen 71, en otros 84. En el programa oficial aparecen 86 nombres (Incluidos coleccionistas, galeristas y espacios. Incluida también una de las organizadoras, que se autoprograma sin vergüenza alguna. Muy aconsejable que revise el código ético de las Guerrilla Girls y, en general, el código de las buenas prácticas). El énfasis está en la cantidad. Y de lo que no se puede hablar, mejor no hablar. 
En algunos de los textos que han "colgado" los artistas para hablar de su trabajo, se mencionan a Hanah Arendt y a M. Foucault, por aquello del cuerpo y el poder. Pero en lo que he podido ver hasta ahora, el discurso brilla por su ausencia. Y cuando lo hay, como en el caso de Diana Larrea, no lo hace para hablar de la banalidad del mal (Arendt) o del panóptico (Foucault), ni siquiera del cuerpo ni del poder a palo seco. Lo hace al presentar su obra como un testimonio del difícil equilibrio en el que vive el/la artista.

 No es de extrañar la queja, dadas las condiciones en las que se realiza este "evento artístico" al que el propio embajador de la Alemania Unificada define como "Fiesta del Arte". Seguro que el embajador no ha pisado el pasaje. Ningún lugar menos adecuado que este para hablar de fiesta. Ya lo dice A. Patiño: un no lugar habitado por zombis y mutantes camino a ninguna parte. En un texto editado por el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid y firmado por Manuel Muñoz Monasterio y Manuel Manzano-Monis Mancebo, se habla del pasaje como "un testimonio residual de los antiguos pasajes comerciales que surgieron en Francia a finales del siglo XVIII y tanto auge tuvieron en la Europa del siglo XIX y principios del XX." Y tan residual. Pura basura por mucho que traten de defenderlo los arquitectos. Oscuro, retorcido, bloqueado, encarcelado.

  Así es este pasaje. ¡Como atreverse a compararlo con las Galerías Vitorio Emmanuele italianas o los pasajes parisinos, luminosos y rectilíneos! Y desde luego nada que ver con los pasajes de W. Benjamin, familiares y acogedores. Dolor y tristeza produce semejante descalabro y su celebración por parte de los organizadores y participantes. Mal. Muy mal está el mundillo del arte en España cuando tantos artistas se someten voluntariamente a semejante desaguisado. 
(Continuará)  

LA CASPA Y LAS PROCESIONES.

 Un cura revolucionario latinoamericano -tal vez Ernesto Cardenal- dijo que la blasfemia era la jaculatoria de los pobres. Exactamente igual que las encapuchadas del T.E.T.A son un homenaje a ETA. Y los pasos procesionantes del las del Santo Coño son un sentido homenaje a las procesiones más casposas.

 Quienes han difundido la noticia y las fotos aseguran que la Cofradía del Santo Coño de Todos los Orgasmos inaugura la Semana Santa con su procesión, la única atea que ha conseguido permiso para manifestar sus "creencias" en Madrid. 
¡Que raro! Que la encargada del orden público en Madrid autorice un evento donde se quiere ridiculizar las procesiones de Semana Santa y reivindicar el aborto, es raro. Muy raro.
El mismo blog que difunde esta noticia difunde también las procesiones que con igual motivo se han realizado en Sevilla y Málaga. Y es precisamente en el vídeo  que ilustra la convocatoria de Málaga donde se aclara el misterio:

Como blasfemias de pobre, las encapuchadas del T.E.T.A son un homenaje a ETA. Y los pasos procesionantes del las del Santo Coño un sentido homenaje a las procesiones más casposas.

EUGENIO AMPUDIA EN EL MATADEROOOOOOH!

!OOOOOOOH! ¡AAAAAAH! ¡HALAAAAA!
Es lo que más se oye al entrar una tarde de sábado en la antigua cámara frigorífica del Mercado de Legazpi (El Mercamadrid de mediados del siglo pasado), también llamada "Abierto por obras" en el ahora llamado Matadero-Madrid. Las exclamaciones son de un público variopinto -familiar las más de las veces- que se ha acercado a dar un paseo por la zona y entran a ver la instalación que EUGENIO AMPUDIA tiene en ese oscuro espacio.
La instalación juega con esa oscuridad al incluir pocas luces situadas en los laterales de las columnas que dan directamente hacia el centro del espacio. Este espacio ha sido cubierto con una corta capa de agua ennegrecida, lo que añade oscuridad y, de paso, refleja las luces, las columnas y el techo con sus vigas entrecruzadas.
Trompe l'oeil barato pero efectista, ya que el agua oscurecida y el reflejo dan la sensación de profundidad y más oscuridad de la que realmente existe.
En las columnas de las esquinas del espacio hay unas cajas contenedoras de unas tarjetas en las que, letras blancas sobre fondo negro, puede leerse: 

"EUGENIO AMPUDIA CADA PALABRA ES COMO UNA INNECESARIA MANCHA EN EL SILENCIO Y EN LA NADA

ABIERTO X OBRAS, MATADERO MADRID

HASTA EL 17 DE MAYO DE 2015"

Debajo puede leerse el mismo texto en inglés. Y en el reverso, letras negras sobre fondo blanco:

"PARA ACTIVAR ESTA OBRA LLAMA AL

+34 657 529 016

(LLAMADA GRATUITA)"

Debajo figura la traducción al inglés. 

Si se llama al teléfono indicado, no pasa nada. Se vuelve a llamar y sigue sin pasar nada. Se insiste en la llamada, por si acaso, pero... nada de nada. Finalmente se continua el paseo por la pasarela lateral y al llegar al fondo se nota que algunas gotas, caídas de no se sabe donde, han provocado pequeñas ondas concéntricas que rápidamente desaparecen. Sigue el paseo y, más adelante,  vuelve a caer un chorrito que vuelve a provocar una pequeña onda concéntrica. Se llega entonces a la conclusión de que esa es la activación de la obra que producen las llamadas telefónicas. OOOOOOH!

Y a pesar del título pomposo, esta nada, nadea. Vacía, oscura, sin contenido alguno excepto su vaciedad y su oscuridad, recuerda el primer edificio de cierta altura que se construyó en la ciudad de León; cuando los aldeanos de los pueblos de alrededor llegaban a la ciudad y veían el edificio decían ¡coño! y así  quedó bautizado el edificio, como "La Casa el ¡Coño!".

ROBERT FERRER: DIFÍCIL DE VER.

Parece que ahora, los lugares dedicados a la exposición y venta de objetos de arte, se llaman espacios y no galerías. No se si tendrá algo que ver con el IBI o con los impuestos municipales o los de Hacienda, sea como sea, el Espacio Valverde, en el número 30 de la calle del mismo nombre en Madrid, es, como corresponde a una galería que empieza, pequeño y angosto.
El 7 de abril termina la exposición que ROBERT FERRER I MARTORELL tiene en el Espacio Valverde. No creo que sean más de diez los objetos expuestos. "... cajas de metacrilato ancladas sobre pared ...", las de menor tamaño pueden mirarse más de cerca, incluso desde los laterales, para mejor entender la disposición de los objetos que incluye cada caja; el problema viene con las dos piezas de mayor tamaño, que tampoco es mucho, porque la iluminación de sala no les hace ningún favor. Pude presenciar como el galerista hacía alguna prueba con otro tipo de iluminación y el resultado era peor aún. Compárese la fotografía superior, proporcionada por la propia galería, con la que figura debajo:

Si en la primera no se puede ver la caja ni el carácter volumétrico del objeto, ni las sombras que producen las deformaciones de la superficie de la caja, (Deformaciones que precisamente se han hecho para que las sombras que producen se incorporen al efecto visual completo del objeto) en la segunda fotografía, hecha por mi, se puede apreciar la caja y las sombras que producen las deformaciones de la superficie, pero el reflejo que produce la luz a través del metacrilato, convierte el tamaño de la caja casi en su doble y las sombras laterales tampoco ayudan en nada.
He dicho más arriba que estos trabajos de Robert Ferrer son difíciles de ver. Aclaro que más que difíciles son exigentes. Exigen de quien las mira una mirada más completa, más atenta, que busque ángulos nuevos, que no se limite al frontal, que se acerque para comprobar que hay partes que "flotan" en el aire al estar suspendidas de finos hilos de nylon, que compruebe como modifican la visión de la pieza las protuberancias y hendidos de la superficie, ... 
Por lo demás, creo que no hay nada que comprender en estas obras. Sólo sus materiales, su colocación, sus sombras y, cuando se pueda y donde se pueda, sus luces. Siendo objetos muy cercanos a la decoración pura y dura, tal vez esta dificultad en "entenderlos" en su totalidad sea un aliciente para los compradores que siempre podrán enseñarla a sus amistades con un "... y mira desde aquí que bonito efecto!"

SANTIAGO SIERRA VUELVE A LAS ANDADAS.

Si un día como hoy, 21 de marzo de 2015, a las ocho en punto de la noche, alguien entra en el local adyacente al número 8 de la calle de Encarnación González en Madrid, quien entre digo, se encontrará con un espacio vacío, a excepción de una persona (un hombre), que se sitúa en el rincón más alejado de la sala, de cara a la pared y, por tanto, ajeno y de espaldas a todo lo que pueda suceder en el espacio.

No hay nada ni nadie más. Los pasos de quien ha entrado resuenan en el espacio vacío. Es la propuesta de performance del artista Santiago Sierra, programada para este día a esta hora: "VETERANOS"

La persona que está de espaldas, como se puede apreciar en la fotografía, tiene ya poco pelo. Es por tanto un "veterano". De qué no lo sabemos. Tal vez sólo de la vida. Si de algo más sólo podremos conjeturarlo uniendo algunos de los datos dispersos. Por ejemplo, los que nos aportan a la salida las personas que nos han franqueado la entrada: que los "veteranos" son tres, que se relevan cada veinte minutos y que cada sesión programada dura en total una hora.

Es bien conocida la actitud habitual de este artista: la hiperafirmación de un tema conflictivo con la que pretende provocar una reacción de rechazo hacia el comportamiento generalizado en relación al conflicto planteado.

Así, es bien conocido, que ha contratado varias veces, incluso en la Bienal de Venecia, a inmigrantes ilegales o prostitutas o homosexuales, para que ejecuten sus propuestas de performance. También es conocido que estos contratos son sólo verbales, malpagados y en dinero negro. Es decir, una explotación laboral en toda regla. Como la de cualquier empresario que se precie.

Cabe entonces la posibilidad de que los contratados esta vez ya hayan sido contratados antes y de ahí lo de "veteranos", de ahí la redundancia y de ahí la hiperafirmación. Puede ser, quién sabe. Dicen que una de las mejores funciones del arte es la de plantear preguntas. Lo que si sabemos en este caso, es que salvo conjeturas, Santiago Sierra no dice nada que no sepamos. Y que decirlo aquí y ahora no tiene más valor que el del onanismo.

Pero sabemos aún algo más: que no sabemos quiénes son esos "veteranos" que realmente performan la performance. Ellos son los performers. Uso aquí el término (francés-inglés-internacional) con todas sus connotaciones, especialmente las de espectáculo para ser visto por un público.

Pues bien, en todos los espectáculos de este tipo quienes performan aparecen con su nombre y apellidos en la documentación del evento. ¿Por qué aquí no? Se puede argumentar que siendo ilegales no quieren que sus nombres se hagan públicos. Bien, es muy posible que así sea. Lo que no quita para que puedan ser señalados con nombres "ad hoc" como Alí Uno, Alí Dos y Alí Tres, o Mohamed, o Salif, o cualesquiera otro que venga bien. De lo que se trata es de no ningunear. De atribuir el trabajo a quien lo hace y reconocerselo. Se trata de honestidad y justicia. Se trata de que cuando el arte invada los terrenos de la vida, sea la vida la que marque las pautas y no el arte. Se trata de jugar limpio. Y no es el caso. Se trata de considerar a las personas antes que a los personajes. Nada más y nada menos.

YO SOY ESPAÑOL. LECTURA DRAMATIZADA

Hoy, 16 de marzo de 2015, a las 19,30h, en la Sala Berlanga, dependiente de la SGAE, se ha realizado la lectura dramatizada de la obra de Alvaro García-Capelo "YO SOY ESPAÑOL".
Coordinados por el autor que también iba indicando los cambios de escena, cuatro actores, dos hombres y dos mujeres, han leído la obra que quiere ser un retrato de determinados ambientes actuales donde la corrupción "es lo normal". Y que "si quieres hacer negocios tienes que hacerlo así".
La obra concluye con una vuelta de tuerca, no tan inesperada, donde todos los personajes, excepto la criada, se han enfangado y los buenos se hacen malos mientras el malo sigue siendolo.
Una visión pesimista pues, de los seres humanos, sin contemplaciones pero también sin propuestas. El autor se limita a constatar lo que todos sabemos, aceptando la situación como algo inamovible. Y lo que empieza siendo una comedieta acaba siendo una "tragedieta" que ni nos enseña nada nuevo ni nos permite ver la situación desde otra perspectiva. ¿Dónde el espejo deformante de D.Ramón María? Se echa mucho de menos.

CINE NO VISTO Y TEATRO INCREIBLE.

El jueves 12 de marzo comenzó en el Espacio B de Madrid (Calle Buenavista, 39 junto a la Plaza de Lavapiés) la IIIª oleada del "Unseen Cinema", del que ya se ha hablado en esta bitácora en otras ocasiones.
Me alegró mucho comprobar que el criterio de selección de las películas sigue siendo riguroso y exigente de películas que merecen la pena verse y que no han sido visionadas apenas.
Es el caso de la película/documental que abre este tercer ciclo: "CHICKEN HAWK" (1994) que muestra el movimiento activista de una asociación partidaria de las relaciones sexuales consentidas con menores de edad. Lo que me parece más curioso del documental es que la asociación es estadounidense y el movimiento activista, no sin problemas, incluidas las llamadas de teléfono con amenazas de muerte, hace su campaña en las calles de Nueva York. El documental muestra un muy amplio abanico de posiciones respecto al tema. Y eso es lo que aporta valor y credibilidad a la filmación.
La segunda película sobre la infancia "CHILDREN UNDERGROUND" (2001) retrata la vida cotidiana de un grupo de niños y adolescentes que viven en el metro de Bucarest. Sus búsquedas de alimento, sus peleas, su solidaridad, su adicción a aspirar vapores de pintura desde una bolsa de plástico, sus visitas al centro de asistencia social, ... Un inframundo en este país ex-comunista desestructurado, anárquico y muy pobre, como lo es la vida de este grupo de niños/as.

La segunda sesión de este mes de marzo será el día 26, a las 19h., y como siempre, con precio libre. En esta ocasión las películas responden al enunciado de "MARGINADOS DEL ARTE". Para no perdérselo.

El viernes 13 de marzo, a las 19h., en el teatro Galileo de Madrid y gracias a una amable invitación del Instituo Alemán, asistí a la representación de la obra de teatro "LAS NEUROSIS SEXUALES DE NUESTROS PADRES" de Lukas Bärfuss, con la dirección de Aitana Galán.
El teatro Galileo es pequeño y el escenario o mejor, el espacio que se utiliza como escenario, está al nivel del suelo, justo bajo las gradas y muy cerca de los espectadores.
Lo primero que hay que decir es que el título de la obra es un título muy irónico. No son las neurosis sexuales de nuestros padres, sino las actuales y nuestras, las que se analizan, con psicólogo incluido.
Copio lo que el crítico Javier Vallejo dijo en El País el 28 octubre 2014: "Lukas Bärfuss y Aitana Galán dan un espectáculo espléndido sobre el despertar sexual de una joven con funciones cognitivas mermadas".
Tal vez porque han interpretado la obra muchas veces y ya recitan el texto de carrerilla y con voz poco audible, o tal vez porque les cuesta entrar en situación debido a las condiciones escénicas, sea por lo que sea, la función del viernes fue una función increíble.
La pieza dura hora y media larga, del tirón, sin ningún tipo de descanso y con todos los actores todo el tiempo en escena. Los cambios de escena los anuncia, escuetamente, uno de los actores que enuncia la situación: en la consulta del psicólogo, en la frutería, en la habitación de un hotel...
La iluminación es siempre la misma y toda la escenografía y el decorado se reducen a una mesa de formica blanca.
El texto es claro aunque prolijo y, a mi entender, a los actores les falta encarnarlo. No se trata de que hagan creer al público que son lo que representan, pero si de que podamos ver en ellos los pensamientos,  sentimientos y pasiones que llenan a los personajes a los que interpretan. De esto sólo escapa Carolina Lapausa que interpreta a Dora, la protagonista. Su trabajo es esforzado y en tensión constante de principio a fin. Ojala el resto de los actores tengan actuaciones mucho mejores que esta -seguro que si- donde han presentado un teatro no creíble. Increíble.

EL ESPACIO DEL VIDEOARTE.

En la Galería Helga de Alvear, de la calle del Dr. Fourquet de Madrid, se presenta, hasta el 5 de mayo, la última película de Isaac Julien (Londres, 1960). Una instalación en tres pantallas concebida especialmente para el espacio de la galería.

No pude, en su momento, verla completa, pero hay tiempo y volveré hasta completar el visionado.

De lo que si tuve tiempo es de percatarme del espacio que ocupa hoy el videoarte. El espacio que el cine, y no sólo el comercial, ha abandonado por los imperativos del tempo narrativo. En esta película -y sospecho que también en otras del autor- la imagen se remansa. La narración cede su ritmo a un "tempo" moroso y preciosista, donde la potencia y el impacto de los paisajes y los espacios se recrean; donde la luz y la iluminación son admirables y se les otorga el tiempo necesario para la admiración. Estas películas en vídeo, con dos o tres grandes pantallas, otorgan a las imágenes, al sonido, al movimiento, la importancia y el espacio que merecen para ser disfrutadas y admiradas. Lejos, muy lejos, queda el "Tiempo de las cerezas" de Kiarostany, o "El tren de sombras" de J.L. Guerín. En el cine actual, como en la vida actual, el tiempo se ha acelerado, se ha hecho digital y "youtúbico". Perdón por el palabro pero creo que describe perfectamente la manera, la velocidad y el tamaño a los que ahora consumimos el cine.

Volveré, con mucho gusto, a la galería de Helga de Alvear. El gran espectáculo de Isaac Julien bien merece la pena. Y, si pueden, no se lo pierdan.

MUCHO Y MUY BUEN CINE.

Hoy termina en Madrid, Sala Berlanga, un estupendo programa llamado Cine en Corto que va ya por su segunda o  tercera edición. En la sesión de las 20h, seis cortos a cada cual más sabroso. Uno por la filmación, otro por la interpretación, otro por la actuación, otro por el guión, ... Todos y cada uno de ellos con algo sobresaliente. Realizados en Huelva, en Sevilla, en Valencia o en Chinchilla o Madrid. Ideados, producidos, realizados, interpretados musicados y dirigidos por gente de todas las edades y todas las fases de la profesionalidad. Un festín de cine. De buen cine. Eso si, en corto.

Y ya hay programado otro ciclo de los que uno no debería perderse nada: "Maestros Ocultos. Cine de/para Heterodoxos". Con películas de Murnau, Arrabal, Jodorowsky, Guerín, ... Lo dicho, para no perdérselo.

Pero ahí no acaba todo. Mañana y pasado todavía hay, en el Museo Reina Sofía, proyecciones del ciclo dedicado al cineasta colombiano Luis Ospina, que realmente merecen la pena.

Por su parte, en el Espacio B continua la programación de "Useen Cinema", de la que ya hemos hablado aquí varias veces y de la que seguimos queriendo ver más y más.

Después de la reciente entrega de los premios Goya del cine español, parece que hay un acuerdo general: aquí y ahora se está viendo mucho cine. Y muy bueno.

LAS ALHAJAS DE JOSE GUERRERO.

El día 29 del pasado mes de enero de 2015 se abrió al público, en la Casa de las Alhajas de Madrid, una exposición de obras de José Guerrero. La exposición se llama The presence of black 1950-1966, para resaltar la importancia que el color negro tuvo en la obra de Guerrero durante esos años.
Para quien guste de la pintura, un festín.
A mi me gustan especialmente esas piezas en las que J.Guerrero "despinta" y "desdibuja", centrándose en el color y el gesto. Lejos ya de las reminiscencias biomórficas que recuerdan a Miró, con quien Guerrero compartió estudio en Nueva York y de las cuales hay algunas en esta exposición. Y lejos también de las piezas casi monocromas de sus últimas producciones, a las que aún no había llegado.
Se exponen también algunos dibujos que el artista hizo en un viaje a Andalucía y concretamente al Barranco de Viznar, lugar de la ejecución de F García-Lorca.  Esos "desdibujos" realizados plein air y sobre la marcha, muestran claramente el proceso de abstracción del artista para quedarse con lo fundamental del paisaje.  Son trazos escuetos realizados con carboncillo que ya incorporan los espacios en que se convertirán cuando lleguen al lienzo. Y en el lienzo, incorporarán también las trazas y los trazos gestuales donde el pincel y la brocha dejan claras muestras de su ejecución.

Lo dicho, un festín para quien guste de la pintura viva, alejada de cualquier manierismo, llena de fuerza y expresividad. Gesto y color. La exposición permanecerá abierta hasta el 26 de abril, con lo que hay tiempo de repetir el disfrute. Además, los domingos, la entrada es gratis.

ESTUPENDA PROCLAMA DE ROSA OLIVARES

Tiempo de ladrones

Rosa Olivares

Hace tiempo una concejala de cultura del Ayuntamiento de Barcelona (Maria Aurèlia Capmany i Farnés, Barcelona, 3 de agosto de 1918 - 2 de octubre de 1991) en un gobierno socialista, decidió dejar sin exposiciones algunos de los centros expositivos habituales de la ciudad. Naturalmente todo el sector se le echó encima acusándola de despreciar la cultura. Como esta señora no tenía ningún complejo y era una histórica y valiente luchadora feminista y obrera, simplemente contestó que “le salía más barato fletar un avión cada mes a Londres o a París y llevar de museos a los visitantes habituales de las salas barcelonesas que mantener sus gastos sólo para unos pocos”. Naturalmente, cuando salió del puesto el siguiente concejal volvió a abrir esas salas de exposiciones, exposiciones de todo tipo y color con lo que eso puede significar (artistas locales, amigos, conocidos y alguna buena exposición). A mí me encantó esa solución radical, porque llevo años pidiendo un año sin exposiciones, sin curadores, sin ferias, un año de descanso y reflexión; de ahorro y de sentarse a pensar un poco. Nadie me toma en serio, naturalmente, no se dan cuenta de que es un grito de auxilio. Pero una noticia en La Vanguardia (alertada por el artista amigo Joan Morey) me vuelve a aquellos tiempos: el centro Arts Santa Mónica (que lleva unos años de vida agitada y confusa) nombra nuevo director, un absoluto desconocido Jaume Reus, y este señor da los datos de su nueva sala: el año pasado sus gastos fueron de 694.000 euros en personal; 309.000 en mantenimiento; 1.126.000 en exposiciones y 1.085.000 en otras actividades. Los visitantes a la sala fueron 139.867. Un total de 22.978 euros por visitante se gastó el ayuntamiento de Barcelona en una sala. Un lujo que en tiempos de recortes, de niños pasando hambre, de familias sin luz (y no soy demagógica) no me parece razonable por parte de un ayuntamiento en una ciudad que tiene todo tipo de museos y centros de arte, públicos y privados (MACBA, La Caixa, Museo Picasso, el Museo de Arte Moderno….). De hecho hubiera sido más barato llevarlos en un vuelo a Nueva York a ver el MoMA. Con casi tres millones de euros gastados no se puede decir que las visitas a la web han bajado (¡además!) y que este próximo año tendrá un programa de centro cultural de barrio. ¿Es esto lo que un ayuntamiento tiene que hacer para ofertar cultura actual a su ciudad? Ojo, que estamos hablando de un centro de tercera, con una programación de cuarta, con un edificio imposible que costó un Congo Belga, situada en una de las zonas más turísticas de una ciudad con millones de turistas al año más los millones de habitantes estables. Al que no va nadie. ¿Con un gasto de casi tres millones de euros no se les ocurre nada mejor? Sin duda algo falla, tal vez la valentía y el rigor de María Aurèlia Capmany vendría bien ahora, pero ya nadie se atreve a hacer nada que no sea políticamente correcto, y el dinero público se gasta sin miedo ni vergüenza.
Pero no crean que es un tema local (seguro que cada lector puede dar un ejemplo similar en cualquier lugar del mundo), y para demostrarlo sólo hay que ir a Italia, donde en la Expo 2015, en la Triennale de Milán se van a gastar 5.300.000 euros (cinco millones trescientos mil euros) en la exposición, eso sí, comisariada por Germano Celant, que cobrará seguramente el precio más alto conocido por una curaduría: 750.000 euros. Celant es conocido en Italia (que les recuerdo que actualmente es una de las economías más débiles de la zona euro) como “el cacique” y se cuenta, con esa sonrisa tan latina y tan machista, que hubo un tiempo no lejano en el que él dirigía por delegación todos los museos de arte actual del país, ya que sus exmujeres eran todas directoras de alguno de estos museos. Ya se sabe que Italia es un país donde la mafia, la cosa nostra (que suele ser la cosa de otros), ha creado escuela. Vivimos tiempos de miseria, no sólo económica, sino sobe todo moral. Tiempo de cobardes y de ladrones.

RESISTENCIA POETICA: CONTRA LA CORRUPCIÓN.

Dentro de su dinámica de trabajo habitual, el colectivo Resistencia Poética en Madrid, trabajó durante el mes de diciembre sobre el tema de la corrupción que asola el país. Después de una investigación sobre los nombres de los encausados y condenados y su pertenencia a los diferentes grupos políticos, el grupo decidió confeccionar varias piezas de poesía visual compuestas con los nombres de los implicados en la corrupción sobre la "E" con virgulilla de la Marca España y presentarse con ellas frente a la sede de los dos partidos con mayor número de implicados. El domingo 4 de enero de 2015, a media mañana, se hizo la primera presencia frente a la sede del Partido Popular, hasta que fue interrumpida por la policía que vigila la sede del partido, que incautó las piezas de poesía visual y las arrojó a un contenedor. Quedó pendiente la correspondiente presencia frente a la sede del PSOE.

También en enero 2015 se ha inaugurado en el Espacio Trapecio de Madrid una exposición  sobre la corrupción, con el título de "Querida Corrupción". Una estupenda ocasión para utilizar el tema de moda como base para el lucimiento personal de los artistas participantes, el comisario correspondiente, y la "fundación" que la promueve. Por eso la quieren tanto.

THEREDOOM, OTRA VEZ BIEN: HANS BREDER

Hans Breder es un artista importante en el arte contemporáneo. El es, entre otras cosas, el introductor del concepto intermedia que tanta trascendencia ha tenido y tiene en el arte actual. Profesor en la Universidad de Iowa, artistas invitados a sus cursos fueron, entre otros, Allan Kaprow, Vito Aconci, Hans Haacke, Robert Wilson, ... Y entre sus alumnos cabe destacar a Ana Mendieta.

Hans Breder es el artista del que la galería Theredoom -sala 1- presenta en Madrid algunos trabajos que incluyen varias fotografías de la serie "Converge", la primera exhibición que examinó las prácticas convergentes sobre el "cuerpo" y el "performance-art" en relación a dos artistas seminales como son Ana Mendieta y el propio Hans Breder. Pionero también en el uso del vídeo no sólo como documentación de las performances sino como un medio expresivo en sí mismo.

En la galería de la calle del Doctor Fourquet hay varias piezas, además de las fotografías citadas, realmente interesantes. Dice la hoja informativa de la galería: "Para esta exposición se han seleccionado algunos de sus primeros trabajos-puente de los años setenta que se situaban entre la pintura de carácter constructivista y los nuevos medios, ..." Y sigue: "Más adelante encontramos tres piezas sui generis que comprenden las influencias primarias en la obra y pensamiento del maestro Breder, y que se presentan como centrales. Ursonata, la pieza mayor de vídeo a dos caras, es una profunda meditación e interpretación visual y sonora basada en la pieza clave trabalenguas de Kurt Schwitters que tiene el mismo nombre. Como ejemplo temprano del "arte de apropiación", la obra Proun es un dibujo original y performativo de El Lissitzsky fechado en 1922. Este dibujo sobre papel tipo "Arches" doblado en dos, incluye instrucciones para ser interpretado y ampliado in-situ en acuarela a escala de 1:5 sobre dos paredes en ángulo de la galería. La tercera obra, Telescultura, es un homenaje al constructivismo ruso. Se compone de cuatro planchas gruesas de metacrilato -plexiglas- ordenado por teléfono, transportado y apoyadas las láminas una sobre la otra en planos transparentes, ubicados sobre una base sencilla o sobre el mismo suelo, sin ambajes."

Qué puedo decir de la estupenda sorpresa que supuso para mi ver el trabajo en vídeo sobre la Ursonate. Un trabajo muy "ursonatista" si se admite el palabro. Pero también añadir que los trabajos constructivistas son elegantes y no menos sorprendentes.

Ya he comentado en esta bitácora lo que me parece una muy buena directriz de la galería Theredoom: arte actual inteligente, poesía visual y performance. Sólo desear que sigan haciéndolo tan bien como hasta ahora.

LA NO ACCIÓN DE LAS "GUERRILLA GIRLS"

Para el sábado 31 de enero, a las 5 de la tarde -hora española donde las haya- estaba anunciada una performance de las "Guerrilla Girls", como complemento a la exposición retrospectiva de su trabajo, que se inauguró el día anterior en la Nave 16 de Matadero -que horror de nombre- Madrid.

La sala -las salas- de la Cineteca, que estaba preparada para ello, muy pronto se quedó pequeña y mucha, muchísima gente, se quedó fuera. Quienes hubieran visto la exposición de la Nave 16 no se perdieron mucho. Y los que no hayan visto la exposición aún tienen tiempo de verla durante un par de meses y no echarán de menos la performance.

Lo de performance hay que entenderlo en su sentido más anglosajón, que incluye desde una conferencia hasta un espectáculo de rock y que por tanto no tiene nada que ver con el Arte de Acción. 

Las 2 "guerrilleras" que han venido a Madrid acompañando la exposición, aparecieron entre el público, por la parte alta de la grada, una por cada lateral, vestidas de negro, con las caras ocultas por las máscaras que ellas han hecho famosas y que las han hecho famosas a ellas, repartiendo estupendos plátanos a quién los quisiera. Me traje uno a casa, como resto de acción, que me he comido muy a gusto.

Después, hicieron una presentación tipo power point, proyectada sobre la pantalla gigante a sus espaldas. Mientras, ellas, de pié ante un atril, desarrollaban un texto ad hoc trufado de gags para mejor entretener al respetable. No hicieron nada más ni dijeron nada nuevo. Nada que no estuviera en los textos de sus carteles y panfletos. Un trabajo excelente desde sus comienzos hasta hoy mismo y que, como queda dicho, puede verse en la Nave 16 de lo que fue el Mercado de Legazpi, al que llegaban los aprovisionamientos comestibles para abastecer a la ciudad.

 Para lo que también tuvieron tiempo, al menos una de ellas, Käthe Kollwitz, fue para fotografiarse con algunas fans (poetisas y gestoras) que quisieron arrimarse a ellas por si se les pegaba algo y, por supuesto, para publicar la foto en su Facebook.

Debo agradecer muy mucho a Elena Jiménez que me ayudase a conseguir una entrada para el evento. Fui sin saber que había que reservar entrada con antelación y me encontré con una aglomeración de gente a la entrada. Por suerte saludé a Elena, que estaba en la cola y tenía entrada y que, además, acababa de dejar libre una de las dos que tenía reservadas. Elena me acompañó hasta encontrar a la mujer que tenía las entradas y pude tener la última que quedaba. Gracias Elena.

ENSAYO DE LA ORQUESTA FOCO.

El 24.01.15, como preparación para su presentación el domingo 25 en La Casa Encendida, dentro del evento musical Urta Cordel, la Orquesta FOCO, coordinada esta vez por LLorenç Barber, ha hecho un ensayo abierto al público. Un público que llenaba el patio de LCE, donde tenía lugar el ensayo. Con su ordenado desorden, con su música no música y sus sonidos visuales, los componentes de la orquesta fueron apareciendo sucesivamente e incorporando el sonido de sus instrumentos al "concierto".
De la variedad y calidad (y calidez) del sonido cabe señalar que aunque la sala estaba llena de niños, algunos muy pequeños, ninguno lloró ni se aburrió. Tal vez porque algunos músicos, en su deambular constante, se acercaban especialmente a los niños y, muy quedo, les hacía oír los sonidos de sus instrumentos. Qué suerte la de estos niños que han podido conocer, a su edad, la generación de sonidos que, desde J.Cage, ha ampliado el espectro sonoro mucho más allá de la música. Quien tenga la posibilidad de escuchar y ver a la Orquesta FOCO, que no se pierda su magnífico trabajo.

DANIEL GARCÍA ANDÚJAR.

El pasado día 21.01.15 asistí, junto con Sonia M. Requejo y Pilar C., a un diálogo? entre el artista, el director del Reina Sofía y presentador del acto Manuel Borja-Villel y la comisaria de su exposición actual en el museo Iris Dressler.
En realidad hablaron cada uno por su lado. Por suerte, el que más habló fue el artista alicantino y arquitecto.
Pionero del net-art, dice que aún no hay suficiente distancia para poder juzgar el net-art con perspectiva que permita valorar justamente las obras.
Manuel Borja: ya no se sostiene la división burguesa de público/privado (espacio) y dice que D.G.Andújar cuestiona también la autoría con sus trabajos, muchos de los cuales se valen de imágenes capturadas en Internet. De hecho, ahora mismo, la VEGAP (Asociación que recauda los derechos de autor de los artistas visuales en Madrid) le ha denunciado y tienen un pleito.
Iris Dressler pone de relieve la dificultad de "leer" este mundo/biblioteca digital en el que en realidad vivimos.
Para DGA,, hoy, Internet tiene "puertas al campo" y rejas y ventanas enrejadas. Hoy todos somos vigilantes y vigilados. Las tecnologías de la información son tecnologías de control. Y ese control sólo se puede evitar con el engaño, puesto que el anonimato no existe o es inoperante. Las ip de las máquinas son insoslayables. A propósito de anonimato y "verdad", habla de las puertas de los váteres de los bares, como "muros" de libertad.
El papel del artista hoy sería el de crear espacios de resistencia, anonimato y autonomía.

CINE CON CRITERIO EN ESPACIO B.

 Ayer, 15.01.15, se proyectó en el Espacio B de Madrid una nueva sesión doble de "Unseen Cinema". La segunda de estas dos películas fue la única que pude ver completa: The Stuff -La Cosa-.
Independientemente de la calidad de cada una de las películas incluidas en el ciclo, a medida que el programa se completa va siendo cada vez más patente que la selección de títulos responde a un criterio claro y constante. Cine que reflexiona sobre/contra el cine. O mejor, sobre/contra determinado cine. Sobre/contra el cine alienante de la industria. Sobre/contra el cine como espectáculo de masas y de un nivel ínfimo en sus contenidos. 
Y es muy de agradecer el establecimiento y mantenimiento del criterio de selección aplicado. Porque salva al cine de su concepción de mero espectáculo y nos permite ver otra faceta del cine: la de vehículo de autorreflexión y crítica del sistema de valores que el cine comercial impone. En definitiva, cine como ejercicio inteligente de la creatividad. Cine como séptimo arte.
Queda ya sólo una sesión más -doble, como siempre- de este ciclo de "Unseen Cinema" el 29 de enero. ¡Ojala los programadores puedan iniciar una nueva serie de estas proyecciones!

"LOS ILUSOS" DE JONÁS TRUEBA.

En la Sala Berlanga de Madrid han proyectado el ciclo "Operas Primeras" dedicado, evidentemente, a directores noveles. Ayer, domingo 11 de enero de 2015, se proyectó la última película del ciclo "Los Ilusos", dirigida por Jonás Trueba.
Siendo breve: ni bueno ni malo, ni poco ni mucho, "ni gato ni perro de aquella color."
Como ya se da por supuesto al ser una obra primeriza, es pobre en medios y presupuesto y eso se nota. Hay abuso de primeros y primerísimos planos. La primera mitad es algo más entretenida que la segunda donde el ritmo decae y hay tomas -supuestamente preciosistas- muy largas y monótonas. Además, para hacer evidente que se trata de cine experimental, virada a blanco y negro. Y por supuesto, no cuenta nada, sólo da apuntes sin hilvanar hasta llegar a la secuencia final donde aparecen un par de niñas muy pequeñas jugando con cintas de cine y vídeo, en casa, con sus padres, que no han aparecido antes en la película y que nadie sabe qué hacen en ella. Para colmo, una de las niñas protagoniza el cartel anunciador de la película.
 Una reflexión colateral: cuando se busca en internet información sobre Jonás trueba, se puede leer que nació como Jonás Rodriguez Huete, que es hijo de Cristina Huete y Fernando Trueba, sobrino de Máximo y David Trueba y primo de Violeta Rodriguez. Cada cual componga el puzzle como quiera. A mi me da por pensar, y no es una tesis original, que estamos otra vez en la Edad Media.
Han vuelto las cruzadas, sólo que ahora en sentido contrario, vivimos bajo  gobiernos feudales y no existe la movilidad social: el hijo de rey es rey,  los hijos de cantantes son cantantes, los de cineastas cineastas, los de publicitarios idem de lienzo y hasta los dentistas -cirujanos maxilofaciales- cuando no tienen hijos, promocionan a sus sobrinos al cargo. Todo queda en famila. Como en el caso Trueba.